Décembre 2013

Plurielles comme les « modernités » du nouvel accrochage réussi du Centre Pompidou. Courageusement, le Musée national d’art moderne réalise avec le quatrième accrochage thématique de ses collections permanentes une relecture critique de l’histoire de l’art de 1905 à 1970. Fini le récit progressiste et dominant de l’histoire de l’art occidental qui voit s’enchaîner seuls les mouvements européens d’avant-garde – le cubisme après le fauvisme, etc. –, place à une histoire globale de l’art qui prend en compte les « autres » modernités, celles d’Asie, d’Afrique, des Amériques latine et du Nord… « “Modernités plurielles” élargit ce principe à une relecture non plus thématique, mais générale et historique de l’histoire de l’art », écrit dans le catalogue Catherine Grenier, directrice adjointe du MNAM et grand ordonnateur de ce nouvel accrochage qui ajoute, par ...

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 | 22.04.10 | 16h48  •  Mis à jour le 22.04.10 | 16h48

Bâle (Suisse) Envoyé spécial

En 1955, ce courant, dit "froid", de l'abstraction géométrique était battu en brèche par une nouvelle peinture, plus "chaude", gestuelle, agitée : l'abstraction lyrique. Conseillée par le peintre Victor Vasarely, qui eut l'idée de l'exposition, et soutenue par un jeune critique nommé Pontus Hulten, qui deviendra vingt ans plus tard le premier directeur du Centre Pompidou, Denise René regroupa des artistes pour montrer qu'eux aussi pouvaient être dynamiques.

Au sens propre : toutes les oeuvres exposées bougeaient, ou pouvaient le faire. Toutes sont mobiles. Manuel, optique ou mécanique, le mouvement était partout. La petite exposition eut des répercussions considérables.

Elle amena tout d'abord des artistes, attirés par la rigueur et la cohérence des choix de Denise René. La galerie redevint le centre de l'avant-garde parisienne, drainant vers Paris des artistes venus de l'Europe du Nord comme de l'Amérique latine. Selon le joli mot du critique Pierre Descargues, "le cinétisme, parce qu'il offrait au regard la possibilité de douter de soi, fut un succès universel".

Après une exposition au Musée d'art moderne de New York, en 1964, intitulée "The Responsive Eye", on crut que l'abstraction géométrique allait remplacer le pop art, et qu'un mouvement européen pouvait à nouveau concurrencer l'école de New York. Sentiment renforcé par l'attribution du grand prix de la Biennale de Venise à Julio Le Parc, en 1966, et à Nicolas Schöffer lors de l'édition suivante. Des artistes de Denise René.

L'idée du Musée Tinguely est simple mais rude à -mettre en pratique : reconstituer l'exposition à l'identique. Y compris dans la scénographie, puisque les trois pièces de l'appartement du 124, de la rue La -Boétie, qui abritaient la galerie parisienne, ont été reconstruites fidèlement.

Les adeptes de voyages dans le temps sont servis, même si certaines oeuvres n'ont pu être retrouvées, remplacées par leurs équivalents. On revoit ainsi, ou on découvre, les travaux de Jacobsen, Mortensen et Calder, Duchamp, Agam et Bury, Soto et Vasarely. Et Tinguely bien sûr, qui n'était pas encore le sculpteur délirant que l'on connaît. Il faisait bouger, avec des petits -moteurs cachés, des formes géométriques blanches inspirées des tableaux de Malevitch. Il y a aussi, seule dérogation par rapport à l'exposition originale, un petit carnet de l'Américain Robert Breer, un folioscope ou flipbook , dont les dessins s'animent lorsqu'on en feuillette les pages.

LE CINÉMA AUSSI

Car, et c'est l'une des révélations de l'exposition bâloise, "Le mouvement" était accompagné d'un programme de cinéma expérimental. Projetés à la Cinémathèque le 21 avril 1955, les films de Robert Breer, d'Henri Chomette, d'Edgar Pillet ou de Richard Mortensen passèrent largement inaperçus. Injustice réparée à Bâle, qui ajoute une série passionnante d'autres essais sur pellicule réalisés à partir des années 1920 par Duchamp, Man Ray ou Moholy-Nagy, mais aussi Fernand Léger, Hans Richter, Walther Ruttmann et Viking Eggeling, dont les oeuvres furent projetées dès 1925 à Berlin sous le titre de "Films absolus". Dieu que les utopies étaient belles alors !

"Le mouvement. Du cinéma à l'art cinétique". Musée Tinguely, Paul Sacher Anlage 1, Bâle (Suisse). Tous les jours, sauf lundi, de 11 heures à 17 heures. Tél. : (00-41)-61-681-93-20. Entrée : 15 CHF (10,46 €). Jusqu'au 15 mai. Catalogue, éd. Kehrer, 160 p., 18 €,

La Piscine est l'un des plus beaux musées de France installé à Roubaix dans une ancienne piscine art déco des années 30. Découvrez des collections exceptionnelles de peintures, sculptures, céramiques et tissus des 19 et 20ème siècles.

http://www.roubaix-lapiscine.com/pages/2007/08/2-2%20-%20visite-%20animations.php

A VOIR LA - BAS EN CE MOMENT:Le zoo d'Orsay

Quand Emmanuelle Héran arrive comme conservatrice au musée d’Orsay, elle découvre, dans les réserves, plus de 200 sculptures animalières et décide de sortir au grand jour ces richesses oubliées. A partir de cet été, le musée parisien présentera donc une section entièrement dédiée à l’art animalier. En attendant, Orsay a prêté une partie de sa collection à La Piscine de Roubaix pour une exposition intitulée avec humour « Le Zoo d’Orsay ». C’est dans un décor vert pomme que sont exposées un peu plus de 150 œuvres signées des plus grands noms : Manet, Courbet, Delacroix, Bonnard, Pompon, Gauguin, Grasset, Doré… Les animaux sont classés par « famille ». Ainsi, peut-on, grâce à un choix varié de tableaux, dessins, pastels, sculptures et objets d’art couvrant toute la période de 1848 à 1914, passer des animaux à plumes (faisans, paons, canards, coq…), aux animaux exotiques (girafes, singes, éléphants, antilopes…), domestiques (chats, chiens, chevaux…) mais également au monde marin. Le public se retrouve à l’intérieur d’une véritable ménagerie, les cris des différents animaux étant diffusés en fond sonore. Autre exposition accrochée au même moment à La Piscine : « Bijoux-sculptures. L’art vous va si bien ! ». 150 bijoux provenant de différentes collections, dont celle de Diane Venet, épouse du sculpteur Bernar Venet et commissaire de l’exposition, proposent une autre vision de la parure aux XXe et XXIe siècles. Il n’est pas question ici de joaillerie mais d’art moderne et contemporain où l’on croise les noms de Calder, Fontana, Picasso, Rauschenberg, Kapoor… Ils ont tous créé des « sculptures to wear » souvent restées inconnues du grand public.

Elodie de Boysson

Les expositions « Le Zoo d’Orsay » et « Bijoux-sculptures. L’art vous va si bien ! » ont lieu jusqu’au 25 mai à La Piscine-musée d’Art et d’Industrie André Dilligent, 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix. Renseignements : 03 20 69 23 60 et www.roubaix-lapiscine.com

Image : François Pompon, Ours blanc, 1922, Roubaix, La Piscine, musée d’art et d’industrie André Diligent - dépôt du musée de saint-omer en 1994 (photo A. Loubry).

Avion de chasse biplace Vampire de 1959 prêt à l'emploi, estimé entre 70 000 et 90 000 euros. Crédits photo : ARTCURIAL

Pour sa huitième vente, 500 maquettes et engins en état de marche retracent un siècle d'aéronautique.

C'est le rendez-vous tant attendu des fous d'avia­tion. Cette huitième vente organisée ce dimanche par Artcurial couvre «un siècle de prises de risques, de Blériot avec sa traversée de la Manche jusqu'au prototype du Rafale, en 1986», explique Axelle Givaudan, qui coordonne l'événement. Dans la cour de l'Hôtel Dassault, les amateurs peuvent déjà admirer l'hélicoptère Alouette III datant des années 1960-1970, énorme engin civil et militaire mais qui n'est pas en état de marche. Il doit repasser sa vitesse pour avoir son nouveau brevet de vol (estimation entre 30.000 et 40.000 euros).

En revanche, si l'envie est trop grande de prendre les airs, on peut aller voir dans un hangar, près de Paris, l'avion de chasse biplace d'entraînement Vampire datant de 1959 et qui est prêt à l'emploi. D'une belle ligne, cet avion de légende de haute voltige, classé en avion de collection, ce qui est très rare, est estimé entre 70.000 et 90.000 euros. Il fut conçu en Angleterre pour mettre en échec les Messerschmitt à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Produit à 4500 exemplaires, il équipa les forces aériennes d'une quinzaine de pays. Aujourd'hui, il n'en reste plus que quelques exemplaires en mains privées.

Les pilotes de chasse: ces héros

Les amateurs seront-ils prêts à craquer leur bourse comme l'an passé où un Fouga Magister de 1966, légende de l'aviation militaire et civile, livré en état de marche, avait été acquis pour la somme de 88.500 euros, bien au-delà de son estimation? L'acquéreur était un pilote amateur qui avait pris des cours pour piloter ce genre d'engin. «Dans les années 1960, les pilotes de chasse étaient des héros. La Coupe Schneider, une sorte de 24 Heures de l'aviation, a attiré les foules à la fin des années 1930. Ce domaine fait rêver mais il attire essentiellement des collectionneurs hommes, précise encore Axelle Givaudan. Ces légendes aériennes ont bercé leur enfance.»

Estimés autour de 500.000 euros, plus de 500 lots sont proposés: des maquettes Air France aux panneaux de carlingue avec hublots transformés en éléments de décoration (400 à 600 euros). Ce siège éjectable de Mirage 3 de l'entreprise Martin Becker, le leader mondial en ce domaine, reconverti en siège de bureau (1800 à 2000 euros) ou une maquette Braniff de DC8 livrée Calder (2500 à 3000 euros).

Quand l'aéronautique rejoint la science-fiction, cela donne naissance à de drôles de petits engins. Artcurial a déniché une étrange navette spatiale de 2,60 mètres de long. Cet élément de décor a été la vedette du film américain Prometheus de Ridley Scott. C'est une pièce unique qui pourrait s'envoler au-delà des 10.000 euros.

LIRE AUSSI:

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Par Béatrice De Rochebouet

http://www.lefigaro.fr/culture/encheres/2013/02/14/03016-20130214ARTFIG00363-decollage-immediat-chez-artcurial.php

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Depuis plusieurs années, de nombreux vignerons ouvrent leurs portes aux artistes tant locaux qu’internationaux. Vous pouvez alors profiter de votre séjour dans la région pour rouler de domaine en domaine à la visite de ces expositions. Commencez par le château Sainte-Roseline (lire page de droite), un cru classé de Provence situé aux Arcs-sur-Argens (tél. : 04.94.99.50.30), à 27 kilomètres de Fréjus. Là, Aurélie Bertin, la maîtresse des lieux, organise depuis quatorze ans des expositions de sculptures monumentales. L’édition 2014 accueille Bernard Pagès, le célèbre sculpteur cadurcien. À deux pas de là, au château des Demoiselles, situé à La Motte (tél. : 04.94.70.28.78), l’autre propriété d’Aurélie Bertin, se tient, jusqu’au 14 septembre, une exposition du peintre avignonnais Jean Lérin (www.jeanlerin.com). À Rians, à 40 kilomètres d’Aix-en-Provence, voici le magnifique château Vignelaure (tél. : 04.94.37.21.10), propriété de Bengt et Mette Sundstrom, un couple passionné d’art et fondateur du site danois d’enchères d’art Lauritz.com. Ils possèdent dans leurs caves, ouvertes à la visite, des oeuvres magistrales d’Arman et de César, des tirages géants de Jacques-Henri Lartigue et d’Henri Cartier-Bresson. Direction ensuite Flassans-sur-Issole, au nord de Toulon, pour visiter le splendide parc de sculptures de la commanderie de Peyrassol (tél. : 04.94.69.71.02). Ici, vous vous promènerez au milieu des oeuvres de François-Xavier Lalanne, Bernar Venet, Jean Dubuffet, César, Arman, Alain Clément, Jean Tinguely, Jean Pierre Raynaud, Vladimir Skoda, Keiji Uematsu, Patrick Fleury, Federica Matta, Jaume Plensa…

Ensuite, passez au château La Coste, au Puy-Sainte-Réparade (tél. : 04.42.61.92.92), où le propriétaire irlandais, Patrick McKillen, donne, depuis 2004, carte blanche aux architectes et designers pour qu’ils puissent s’exprimer dans les lieux. Les chais ont été dessinés par Jean Nouvel et le bâtiment principal par Tadao Ando. Dans le parc, vous pourrez admirer les oeuvres de Paul Matisse, Franck Gehry, Hiroshi Sugimoto, Alexander Calder, Louise Bourgeois et bien d’autres (15 euros la visite). Puis, faites un petit détour par le domaine Dalmeran, à Saint-Étienne-du-Grès (tél. : 04.90.49.04.04), qui accueille, jusqu’au 27 août, l’exposition “Grandeur Nature” dédiée au dessinateur Michel Houssin. Le parc abrite également les sculptures végétales de Marc Nucera (Marc-nucera.fr).

Vous pourrez terminer votre périple par le château Saint-Martin (tél. : 04.94.99.76.76), à Taradeau, où Adeline du Barry, la maîtresse des lieux, accueille 6 artistes colombiens contemporains.

Après une journée de visite d’expositions, vous pourrez vous détendre dans certains domaines qui accueillent des ...LIRE LA SUITE...

http://www.valeursactuelles.com/guidetendances-balades-au-pays-ros%C3%A9

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LEONARD TSUGUHARU FOUJITA

Emilie Trochu pour

Evene.fr - Avril 2010

Un an après la mort de sa veuve, le 2 avril 2009, le musée des Beaux-Arts de Reims consacre une importante exposition au peintre Léonard Foujita, jusqu'au 28 juin 2010. L'occasion de se familiariser avec cet artiste surprenant et inclassable qui a choisi pour dernière demeure la capitale du champagne. Autour de ses oeuvres ou dans les fresques de l'étonnante chapelle qu'il a conçue et dans laquelle il repose, flotte encore un parfum de mystère. Portrait d'un artiste qui cultive l'ambivalence. Sur la simple dalle de marbre gris qu'abrite la chapelle Notre-Dame-de-la-Paix de Reims, on déchiffre en lettres dorées un patronyme aux étranges sonorités : Léonard Foujita. A l'image de celui qui l'a porté, ce nom évoque des origines contrastées, mi-japonaises mi-européennes. Autrefois dénommé Tsuguharu Fujita, le peintre francise son patronyme à son arrivée à Paris en 1913. Bien des années plus tard, presque au terme d'une carrière mouvementée mais couronnée de succès, il se convertit au catholicisme et choisit comme nom de baptême celui de l'un des plus grands artistes de la Renaissance, qu'il a beaucoup admiré. Au-delà du choix religieux, ce changement d'identité rappelle le sentiment de dualité qui transparaît aussi bien dans sa biographie que dans son oeuvre. Aussi mondain qu'acharné de travail, en équilibre entre deux cultures et plusieurs esthétiques, tantôt omniprésent, tantôt absent, plusieurs fois marié d'un côté ou de l'autre du Pacifique… difficile de cerner ce personnage à l'allure aussi atypique qu'insaisissable.

Fou Fou chez les Montparnos

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Petite silhouette fine, coupe "à la chien" (le bol de l'époque), lunettes rondes et noires, moustache et boucle d'oreille. Un look qui détonne pour le quotidien de l'époque mais qui ne saurait occulter le plus fascinant pour les Parisiens : son pays natal, le Japon. Dans le Paris artistique des années 1920, les étrangers sont nombreux à flâner autour de Montmartre ou de Montparnasse. C'est d'ailleurs le cosmopolitisme de cette scène qui lui donne son nom : l'Ecole de Paris. Un terme générique pour englober toutes sortes de pratiques liées par l'optique commune de bousculer l'académisme ambiant. Foujita est un artiste accompli lorsqu'il s'installe dans la capitale mais il vient chercher à sa source la modernité de l'époque, chez Chagall, Pascin, Soutine, Modigliani, Van Dongen… De fortes personnalités qui organisent les fêtes les plus folles à un rythme effréné, en compagnie de belles femmes impertinentes comme Kiki de Montparnasse, Mistinguett ou Suzy Solidor. Modigliani, notamment, l'inspire beaucoup, comme en témoignent ses portraits à fond d'or. Si tous ces artistes l'influencent, son vrai coup de coeur va aux paysages urbains du Douanier Rousseau, dont il voit une toile dans l'atelier de Picasso.


Un vrai m'as-tu vu

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Foujita est alors un jeune artiste plein d'ambitions et pas des moindres : il veut être le premier peintre de Paris. S'il passe des heures à arpenter le Louvre, recopiant encore et encore les détails des virtuoses de la Renaissance italienne, il est aussi très conscient de l'importance de son image. Le vedettariat se développe alors au rythme des actualités cinématographiques et de la presse écrite. Les journalistes se déplacent en masse pour couvrir tel ou tel événement dont on sait qu'il attirera des célébrités, qui elles-mêmes n'hésitent pas à multiplier les frasques pour faire parler d'elles. Si certains se livrent volontiers aux duels et toutes sortes de scandales, d'autres comme Foujita, se font plus discrets mais omniprésents. Fêtes déguisées, vernissages, balades à Deauville ou au bois de Boulogne, il est partout où il sait qu'il "faut être". Son mariage avec l'artiste française Fernande Barrey concrétise sa reconnaissance sociale. A la fin de la décennie, celui qu'on surnomme désormais "Fou Fou", est plus connu pour son excentricité que pour sa peinture.


Forcené fortuné

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Pourtant, Foujita est très loin d'être un débauché. Si on le voit à toutes les fêtes, il ne boit pas d'alcool et s'éclipse toujours tôt. "Il considère les bacchanales de ses amis comme des histoires de Blancs" (1) et passe le plus clair de son temps dans son atelier. Son travail reste cependant difficile à cerner, entre une grande sophistication du corps, qui évoque la sculpture classique et un trait stylisé tout à fait japonisant. C'est justement ce mélange entre les deux cultures qui fera son succès. La consécration a lieu au Salon d'Automne en 1924, avec le portrait de sa nouvelle muse Lucie Badoud, 'Youki, déesse de la neige'. C'est le début de son ascension et de sa réussite matérielle. Il s'installe dans un hôtel particulier de trois étages, au square Montsouris, et a pour voisins Braque ou Derain,, roule en Delage capitonnée de daim gris et invite le Tout-Paris à boire nonchalamment du champagne en découvrant de nouveaux artistes comme Calder. Son style s'affirme alors dans de grandes fresques aux perspectives inspirées de Michel-Ange, qu'il a vu récemment en Italie, des fonds satinés parsemés de corps de plus en plus travaillés.   Lire la suite de L'art de l'ambivalence »

(1) Jeanine Warnod, 'L'Ecole de Paris', p.102, Arcadia Editions, 2004

Tapisettapisseriesd'artistes

/ 11 octobre 2013 - 9 février 2014 /

Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris met l’art textile en lumière avec l'exposition Decorum qui présente plus d’une centaine de tapis et de tapisseries signés par des artistes modernes (Fernand Léger, Pablo Picasso) et contemporains (Dewar & Gicquel, Vidya Gastaldon).

Decorum permet de découvrir les œuvres tissées, souvent insoupçonnées, d’artistes majeurs et le travail d’artistes injustement méconnus (Guidette Carbonell). Des pièces anonymes de différentes époques et régions sont également exposées afin de déceler des influences et d’engager des confrontations.

Objets à la fois visuels et tactiles, esthétiques et fonctionnels, facilement transportables (Le Corbusier qualifiait ses tapisseries de « Muralnomad »), tapis et tapisseries transcendent les habituelles frontières des arts décoratifs et du design

Elsi Giauque, Élément spatial, 1979, Tapisserie tridimensionnelle, lin, soie, laine, métal / Mudac – musée de design et des arts appliqués contemporains, Lausanne Droits réservés. Photo : 1m3 – Mathilde Agius

Nathalie Du Pasquier, Equador, 1986, Coll. particulière, Milan / Photo : Ilvio Gallo

Daniel Dewar et Grégory Gicquel, Gibbon, 2011, Centre national des arts plastiques, Paris/ Photo : Fabrice Gousse

Maryn Varbanov (atelier Sofia), Arythmie, 1972, Tapisserie de basse-lice en laine / Courtesy musée Jean-Lurçat et de la tapisserie contemporaine, Angers © Maryn Varbanov

Latifa Echakhch, Frames (rouge, bleu, vert), 2009, Courtesy galerie Kamel Mennour, Paris / © Latifa Echakhch /Photo : Fabrice Seixas

Le Corbusier, Marie Cuttoli, 1936, Fondation Le Corbusier, Paris / © F.L.C. / Adagp, Paris 2013

Rosemarie Trockel, Ohne Titel (Amaca, rot-weiß) (Sans titre [Amaca, rouge-blanc]), , 2000, Courtesy galerie Sprüth Magers, Berlin and London / © Adagp, Paris 2013

John M Armleder, Furniture Sculpture (n. 234), 1990, Trois rouleaux de moquette, 228 x 85 x 25 cm, © J. Armleder, Photo : collection FRAC Limousin

Ryan Gander, If I could see but a day of it (Multiverse), 2007, Tapis et jeu de cartes, 200 x 150 cm, Courtesy gb agency, Paris Photo : Museum für Gestaltung Zürich / Christian Brändle

Sheila Hicks, Pteras Swoop, 2011, Tissage en coton et plumes / Courtesy Sikkema Jenkins & Co, New York / Image courtesy of Sikkema Jenkins & Co., New York

Marc Camille Chaimowicz, A partial vocabulary, 1984-2008, Tapis Tisca tufté main, tissu, contreplaqué / FRAC Aquitaine, Bordeaux © Marc Camille Chaimowicz/ © Jean-Christophe Garcia

Olga de Amaral, Pared de calicanto, 1980, Tapisserie en laine et crin de cheval / Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, © Olga de Amaral. Photo © Éric Emo/Musée d’art moderne/Roger-Viollet

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Jusqu’à la fin du XIXème siècle, les peintres se limitaient au dessin du carton destiné à être tissé ou à la représentation de tapis orientaux dans leurs tableaux (Lotto, Holbein, Delacroix). Au cours du XXème siècle, les avant-gardes artistiques européennes révolutionnent l’esthétique et la technique de l’art textile. Les artistes tissent eux-mêmes leurs tapis en faisant référence à des pièces anciennes ou en utilisant des motifs ethniques et géométriques.

Souvent porteurs d’un message politique ou féministe à partir des années 1960, tapis et tapisseries suscitent un regain d’intérêt sensible depuis les années 2000. De jeunes artistes contemporains comme Caroline Achaintre ou Pae White produisent des pièces tissées originales qui intègrent tradition, modernité ou influences extra-occidentales et expérimentent de nouvelles techniques, comme le tissage numérique.

L’exposition va ainsi à l’encontre des idées reçues présentant la tapisserie comme un art mineur ou anachronique. Elle permet par ailleurs de renouer avec une histoire peu connue du musée qui possédait un département Art et Création Textile dans les années 1980.

L’artiste londonien Marc Camille Chaimowicz, directeur artistique invité, a conçu la scénographie inédite de l’exposition en collaboration avec l’architecte Christine Ilex Beinemeier. Jean-Philippe Antoine, professeur d’esthétique, propose une programmation de « musique d’ameublement », diffusée en fond sonore dans l’exposition.

Un catalogue largement illustré et co-édité par Skira Flammarion est publié à cette occasion (graphisme : Huz&Bosshard)

/ Artistes

Magdalena Abakanowicz; Caroline Achaintre; Anni Albers; Olga de Amaral; Leonor Antunes; Stefano Arienti; John M Armleder; Atelier E.B. (Lucy McKenzie et Beca Lipscombe); Ateliers Wissa Wassef; Michel Aubry; Tauba Auerbach; Francis Bacon; Giacomo Balla; Mark Barrow et Sarah Parke; Nina Beier; Anna Betbeze; Michael Beutler; Pierrette Bloch; Alighiero Boetti; Louise Bourgeois; Brassaï; Geta Brătescu; Jagoda Buić; Pierre Buraglio; Alexander Calder; Guidette Carbonell; Gillian Carnegie; Marc Camille Chaimowicz; Claude Closky; Isabelle Cornaro; Lucien Coutaud; Alexandre da Cunha; Pierre Daquin; Sonia Delaunay; Dewar & Gicquel; Latifa Echakhch; Marius Engh; Noa Eshkol; Frederick Etchells (Omega Workshops); Gustave Fayet; Lissy Funk; Ryan Gander; Vidya Gastaldon; Yann Gerstberger; Françoise Giannesini; Elsi Giauque; Piero Gilardi; Thomas Gleb; Daniel Graffin; Josep Grau-Garriga; Helen Frances Gregor; Marcel Gromaire; Sheila Hicks; Jim Isermann; Johannes Itten; Sergej Jensen; Asger Jorn et Pierre Wemaëre; Mike Kelley; Abdoulaye Konaté; Maria Lai; François-Xavier Lalanne; Bertrand Lavier; Le Corbusier Jules Leclercq; Fernand Léger; Jean Lurçat; Märta Måås Fjetterström; Karin Mamma Andersson; Mathieu Matégot; Gustave Miklos; Yves Millecamps; Joan Miró; Aldo Mondino; William Morris; Barbro Nilsson; Albert Oehlen; Nathalie du Pasquier; Mai-Thu Perret; Jean Picart Le Doux; Pablo Picasso; Présence Panchounette; Otto Prutscher; Robert Camille Quesnel (Frères Braquenié); Elizabeth Radcliffe; Carol Rama; Dom Robert; Gerwald Rockenschaub; Willem de Rooij; Dieter Roth & Ingrid Wiener; Mariette Rousseau-Vermette; Hannah Ryggen; Wojciech Sadley; Akiko Sato; Judith Scott; Kay Sekimachi; Shirana Shahbazi; Ivan da Silva Bruhns; Gunta Stölzl; Sophie Taeuber-Arp; Rosemarie Trockel; Maryn Varbanov; Victor Vasarely; Vincent Vulsma; Franz West; Vivienne Westwood; Pae White; Evelyn Wyld.

/ Avec le soutien de :

Cité internationale des arts à Paris
École nationale supérieure des Arts Décoratifs
École Nationale Supérieure d'Art de Dijon
École supérieure des beaux-arts de Nantes Métropole
Groupe Galeries Lafayette
Institut national d'histoire de l'art 
Institut national du patrimoine
Josef and Anni Albers Foundation
Laboratoire de recherche des monuments historiques de Champs-sur-Marne
Office for Contemporary Art Norway

Franco Soffiantino Contemporary Art Productions
Galerie Ivan, Bucarest
Galerie Kate Werble, New York

Anker
Carpet Care France

http://mam.paris.fr/fr/expositions/decorum

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• • Par Valérie Duponchelle
  • Publiéle 19/04/2013 à 19:36

Il en faut du souffle pour embrasser en une exposition toute cette épopée de la lumière et de la couleur qui sort l'art du cadre au XXe siècle pour incorporer l'espace même dans l'œuvre. Il en faut du savoir et de l'esprit de synthèse pour bousculer catégories et époques et proposer une relecture vivante de l'histoire de l'art en mouvement. Tout, vous saurez tout, du Carré blanc sur fond blanc de Kazimir Malevitch et du Broadway Boogie-Woogie de Piet Mondrian jusqu'au halo mystique de l'Américain James Turrell(Awakening, ou la naissance de l'aube sous vos yeux). Il en faut du doigté et de l'intuition pour faire cohabiter toutes ces lueurs, tous ces cercles, toute cette géométrie qui s'en balance, tous ces va-et-vient de formes et d'intensités lumineuses, sans que le visiteur ne soit mis KO au premier round.

Chromosaturation de Carlos Cruz-Diez (1965) Crédits photo : Sébastien SORIANO/Le Figaro

Docte et clair en professeur émérite qu'il est, Serge Lemoine est un ardent défenseur de l'abstraction et de sa mise en action, le cinétisme. Il l'a prouvé depuis longtemps quand il dirigeait le Musée de Grenoble ou, plus récemment, à Paris, en exposant la collection Jean Cherqui à la Maison de l'Amérique latine (ce continent neuf est le biotope naturel de cette poésie nouvelle des formes).

Pétillant et frondeur, Mathieu Poirier apporte sa vision fraîche de jeune chercheur à cette dynamique de l'art, sérieuse derrière le jeu et l'illusion, parfois désarmante par ses théories fort cérébrales: à vérifier dans le labyrinthe du GRAV (Groupe de recherche d'art visuel). Avec ces deux commissaires si complémentaires, Dynamo réussit ce tour de force de mettre en scène des concepts comme on dresse une table de Noël. D'abord pour le plaisir de l'œil. Les deux autres commissaires associés, Domitille d'Orgeval et Marianne Le Pommeré, apportent leurs touches féminines et érudites à ce vaste ballet cinétique.

Un jeu vidéo géant

Faire que ce soit l'œil qui associe le premier - et non la lecture, et non le discours sur ce que l'on devrait voir et comprendre, comme c'est si souvent désormais le cas - c'est tout le défi du programme de cette promenade phénoménale: plus de 150 artistes sur un siècle, autant de mirages essaimés sur environ 3 700 m2. Il eût été banal de commencer par les précurseurs, Giacomo Bella le futuriste, Calder le trapéziste du mobile, Duchamp l'insolent joueur d'échecs qui inverse tout propos, Kupka le géomètre de la couleur, Moholo-Nagy l'œil moderne… et de finir par le beau mobile sombre de Xavier Veilhan qui sert d'entracte visuel aux deux étages, très denses, de l'exposition.

Il est beaucoup plus parlant de confronter les approches sœurs, de faire dialoguer un sublime Kenneth Noland de 1962 (Spring Cool), un Frank Stella bluffant de simplicité de 1964 (Sidney Guberman) et un Frantisek Kupka qui annonce tout d'une simple gouache abstraite, noire et blanche de 1933.

Mirror Billboard de Jeppe Hein (2008) Crédits photo : Sébastien SORIANO/Le Figaro

Si l'art contemporain est l'art vivant, alors tous ces artistes, morts ou vifs, sont contemporains. Comme de juste, Anish Kapoor ouvre ce ballet intersidéral avec ses trois miroirs sombres concaves. Ann Veronica Janssens pose son étoile de lumière dans le brouillard comme une petite fille (Bluette, 2006). Plus loin, elle perd le visiteur dans son brouillard. Né en 1926 à Cholet et portraituré à 17 ans par Laure Albin-Guillot au Jeu de paume, François Morellet ne fait pas figure d'ancêtre avec son Triple X Neonly de 2012. Né à Caracas en 1923, Carlos Cruz-Diez ne cesse de fasciner avec sa Transchromie mécanique, 1965 qui découpe la couleur au carré et l'espace immatériel au cordeau. À côté, feu Dan Flavin en impose comme l'Amérique avec son mur de fluos verts qui scintille comme un jeu vidéo géant (Untitled, to you, Heiner, with Admiration and Affection, 1973, prêt spectaculaire de la DIA Art foundation de New York).

De Julio Le Parc, sculpteur souple comme un danseur de tango, à Tinguely le Suisse, grand bricoleur de l'art si intensément créatif (les mécanismes aléatoires de son Méta-Malevitch, 1954), de Gianni Colombo le Milanais qui prend possession du mur avec seulement deux cubes opalescents à la Ponctuation lumineuse de Pol Bury, des trompe-l'œil multicolores de Yaacov Agam, si cher à Georges Pompidou, à la magicienne du Brésil, Lygia Clark, c'est toute une grammaire visuelle qui est expliquée sous vos yeux. De Vasarely, jaillissant de la toile en illusionniste, à Zilvinas Kempinas, né en Lituanie en 1969, qui fait tenir son auréole de bande magnétique par le souffle combiné de trois ventilateurs, la gamme est semble-t-il sans fin. On sort de Dynamo halluciné, l'esprit en mouvement.

Transformation Instable Juxtaposition Superposition de Francisco Sobrino Crédits photo : Sébastien SORIANO/Le Figaro

Dynamo, un siècle de lumière et de mouvement dans l'art 1913-2013», Grand Palais, Paris (VIIIe), jusqu'au 22 juillet 2013. www.grandpalais.fr

Par Béatrice De Rochebouet
08/11/2010 | Mise à jour : 11:38

1964 Ohhh... Alright..., de Roy Lichtenstein (Christie's Images LTD 2009)

La mondialisation fait exploser les prix. Cette semaine, consacrée à l'art contemporain, s'ouvre sous les meilleurs auspices.  

L' art à nouveau dans la spirale ascendante? Les ventes d'automne à New York viennent d'atteindre des montants qu'on n'avait plus connus depuis le début de la crise en 2008. Cette montée d'un cran était prévisible, mais peut-être pas à ce point ! Pour la semaine impressionniste et moderne qui vient de s'écouler, Sotheby's (263,7 millions de dollars de produit des ventes) et Christie's (271 millions de dollars) ont retrouvé des niveaux comparables à ceux des années fastes. Un pic avait été atteint en 2006 avec la vente de Christie's qui réalisa le score jamais égalé de 491 millions de dollars, en partie grâce à son Portrait d'Adèle Bloch-Bauer II de Klimt, adjugé au prix record de 87,9 millions de dollars.

La semaine dernière, il n'y a eu ni gagnant ni perdant, comme dans les années difficiles où les maisons de vente devaient se battre pour avoir chacune «son» chef-d'œuvre. L'offre était assez abondante pour animer deux evening sales de qualité, avec un record à 68,9 millions de dollars pour le Nu assis de Modigliani chez Sotheby's, et un record à 48,8 millions de dollars pourle Nu de dos de Matisse, chez Christie's.

La confiance est revenue. Chez les acheteurs comme chez les vendeurs. L'art bénéficie d'une manne venue des quatre coins de la planète. «La mondialisation profite au marché, estime Thomas Seydoux, chez Christie's. L'appétit des amateurs vient aussi bien des pays émergents comme l'Asie, qui aime les impressionnistes, ou la Russie, qui affectionne le XXe siècle décoratif, mais aussi des pays plus traditionnels comme l'Europe et l'Amérique au goût plus pointu.»

Morceaux choisis du XXe siècle 

Est-ce un retour à la spéculation? Les nouveaux millionnaires ont une réelle envie d'acheter mais pas n'importe quelles œuvres. Le marché mise sur les valeurs sûres. Ce ne sont que les grands noms - Modigliani, Matisse, Giacometti ou Picasso - qui s'envolent à des prix sans limite. Pour la semaine des ventes d'art contemporain qui s'annonce encore plus prometteuse, Phillips, comme les géants Sotheby's et Christie's, ne propose que de gros calibres. Les épais catalogues ressemblent à une anthologie de morceaux choisis du XXe siècle. De grands noms à comparer entre eux affichant de solides estimations. Avec 55 lots, Sotheby's mise sur les classiques du siècle dernier: Rothko, de Kooning, Richter, Bacon ou Basquiat. L'exposition du Musée d'art moderne de la Ville de Paris a incité les vendeurs à se séparer de leurs toiles pour la majorité tardives. Plus épais (76 lots), le catalogue de Christie's est truffé d'œuvres venant de prestigieuses collections comme celle de Dennis Hopper ou Max Palevsky, ancien patron d'Intel, disparu en 2010 qui se passionnait pour Calder, Stella, Judd ou Lichtenstein. Acquis chez Acquavella, un autre Lichtenstein, Ohhh… Alright…, estimé 40 millions de dollars, est en couverture. Un petit losange à côté du lot indique que Christie's a négocié une garantie avec le vendeur, via une tierce personne. C'est de bonne guerre pour décrocher la vedette. La bataille est repartie de plus belle.

Phillips, une vente sur mesure

Comment rivaliser contre les deux géants, Sotheby's et Christie's, quand on est le numéro trois des ventes aux enchères d'art contemporain? Innover toujours plus. Président de Phillips, Simon de Pury, ex-président de Sotheby's Europe, qui s'est taillé la part du lion dans les marchés émergents, n'est jamais à court d'idées ! Pour le lancement de son nouvel espace «up town», au 450 Park avenue, cet «auctionneer», qui dénote dans la profession par ses ventes à spectacles, a demandé au très influent courtier international, Philippe Ségalot, ancien de Christie's et conseiller de François Pinault, de lui monter un catalogue sur mesure pour sa vente inaugurale de ce soir. Le tout-New York se bat pour y avoir une place assise.

Les 33 œuvres réunies dans un catalogue au format hors norme, affichant en couverture le buste du top model Stephanie Seymour, l'épouse à nouveau réconciliée du grand collectionneur de Basquiat, Peter Brant, moulé en cire par Maurizio Cattelan (1,5 à 2 millions de dollars), devraient totaliser plus de 80 millions de dollars. Un record pour une vente de Phillips qui n'a jamais dépassé les 59 millions de dollars, là où ses concurrents doublent au moins la mise.

Un Warhol à plus de 50 millions de dollars

Philippe Ségalot a usé de toutes ses relations pour décrocher des stars du marché comme une des trois éditions du Mechanical Pig de Paul McCarty (2,5 à 3,5 millions de dollars) vu à l'exposition des œuvres de François Pinault, «Qui a peur des artistes», à Dinard, ou le tableau monumental historique Men in her Life (1962) de Warhol, venant de la collection Mugrabi et proposé pour la première fois aux enchères. Il devrait dépasser les 50 millions de dollars.

LIRE AUSSI :

» Record pour Modigliani à New York

» New York, toujours plus haut

Par Béatrice De Rochebouet

http://www.lefigaro.fr/culture/2010/11/08/03004-20101108ARTFIG00433-encheres-a-new-york-la-course-aux-records.php

Du 22 novembre 2019 au 23 août 2021

"Ce matin, sur mon kayak, je suis partie, seule, pagayant vers ma liberté toute neuve. Percy m'a quittée hier. Il a décidé de ne pas poursuivre le voyage. Me laissant libre de partir avec lui ou pas. Tel un ultimatum. Je ne l'ai pas suivi. La tempête que nous avons essuyée avant-hier était-elle à l'image de notre couple qui chavire ? Peut-être. C'est donc moi qui le quitte. Au fond, je l'ai déjà fait depuis longtemps, je crois. Et devant moi la liberté".

http://mediatheques.saint-etienne.fr/EXPLOITATION/Default/rsc/440075/et-devant-moi-la-liberte-journal-imaginaire-de-charlotte-perriand-virginie-mouzat

p.9-29

p.61-73

p.76:

https://www.babelio.com/livres/Giono-Que-ma-joie-demeure/781772

p.81:

https://www.etudes-jean-richard-bloch.org/spip.php?article151

p.83

p.86:

 New York est quand même une chose qu'il faut voir et bien connaître. Ça vaut la peine et le ...

P.92:

https://fr.wikipedia.org/wiki/Shik%C5%8D_Munakata

p.94:

http://www.larchitecturedaujourdhui.fr/

https://www.cahiersdart.com/fr/home

p.111:

https://www.larep.fr/gien-45500/actualites/juin-1940-la-terrible-bataille-de-gien_1205131/

p.115:

https://fr.wikipedia.org/wiki/Banzai_(exclamation)

p118:

https://www.terdav.com/magazine-voyage/franchir-la-ligne-le-bapteme-de-equateur

p.122:

https://voyages.michelin.fr/afrique/afrique-du-sud/cap-occidental/le-cap/cap-de-bonne-esperance

p.124:

https://www.kanpai.fr/apprendre-japonais/merci-de-rien-svp

p.126:

https://fr.wikipedia.org/wiki/Invasion_japonaise_de_l%27Indochine

p.130:

Bombay encore, pluie diluvienne.

p.132:

https://fr.wikipedia.org/wiki/G%C3%A9ographie_de_Hong_Kong

p.134:

https://chine.in/guide/yangzi-jiang-fleuve-yangtse_1263.html

p.136:

https://fr.wikipedia.org/wiki/Kobe

p.139:

https://fr.wikipedia.org/wiki/Invasion_japonaise_de_l%27Indochine

p.140:

https://fr.wikipedia.org/wiki/Robert_Guillain

p.143:

 Un mois après mon arrivée, le 25 septembre 1940, eut lieu ma première visite à Kyoto que je n'oublierai jamais.

https://www.numero.com/fr/architecture/obsession-charlotte-perriand-japon-nouveau-monde-fondation-louis-vuitton-le-corbusier-leger-architecte-designer-numero-magazine

p.145:

https://fr.wikipedia.org/wiki/Sh%C5%8Dji

p.158:

Une semaine après mon arrivée à Hanoï, Pearl Harbor a été attaqué par les Japonais. Il y a moins de six mois, tout semblait aller vers un rapprochement. Le Japon contre l'Amérique, tout se dégrade. Le Japon en guerre ...

p.160:

https://www.franceculture.fr/architecture/derriere-le-nom-de-le-corbusier-3-oeuvres-cultes-de-charlotte-perriand

p.197:

https://www.cnrtl.fr/definition/annamite

p.201:

https://www.marieclaire.fr/maison/knoll,1236292.asp

p.214:

http://www.fondationlecorbusier.fr/corbuweb/morpheus.aspx?sysId=13&IrisObjectId=4931&sysLanguage=fr-fr&itemPos=14&itemCount=78&sysParentName=&sysParentId=64

p.228:

http://www.issoire.fr/Culture/Centre-d-art-Jean-Prouve/Presentation

p.233:

https://www.milkdecoration.com/le-chalet-de-charlotte-perriand/

p.236:

https://musee-des-beaux-arts.nancy.fr/le-musee/maison-jean-prouve-2597.html

p.241:

https://www.telerama.fr/scenes/alexander-calder-un-si-mobile-homme,128953.php

p.242:

https://www.franceculture.fr/architecture/derriere-le-nom-de-le-corbusier-3-oeuvres-cultes-de-charlotte-perriand

p.248:

https://fr.wikipedia.org/wiki/Union_des_artistes_modernes

p.250:

https://www.mollat.com/dossiers/charlotte-perriand-l-art-d-habiter

Expo à Sté vue

https://www.paris-art.com/dieter-rams-charlotte-perriand-cite-du-design-l-ornement-est-un-crime/

Charlotte Perriand sur ce blog dont l'expo vue avec mon mari

Photos perso du 28 janvier au Musée Chagall  de Nice

De Degas à Picasso en passant par Toulouse-Lautrec, Renoir, Rouault, Matisse ou Calder, l'univers du cirque

a exercé une influence majeure sur l’avant-garde artistique depuis l'Impressionnisme. L'analogie entre la

forme ronde de la piste et celle de la terre illustre la métaphore du regard posé par les artistes sur notre

monde moderne. Précurseur des loisirs de masse, le cirque devient une attraction pour tous, petits et grands,

ouvriers et aristocrates.

« Le cirque a été l’événement de mon enfance et voilà qu’il est revenu dans ma

peinture »,

confiait ainsi Fernand Léger à la fin de sa vie. «

J’ai imaginé mon cirque dans les heures

nocturnes. Il est au milieu de ma chambre. On entend les rires et les cris »

écrivait Marc Chagall.

Malgré des démarches distinctes, Chagall et Léger ont en commun d'avoir puisé de nombreuses figures dans

l’univers du cirque. Dès sa série des

Contrastes de formes

avant la Grande Guerre, Léger élabore ainsi une

écriture plastique apte à traduire le tourbillon de la vie moderne grâce aux effets contrastés des lignes et des

couleurs. A la fin de sa vie, il se souvient de l'émotion populaire suscitée par l'arrivée du cirque de son

enfance normande à Argentan. Accompagné de ses amis poètes, écrivains, peintres et musiciens tels que

Blaise Cendrars, Guillaume Apollinaire, Darius Milhaud, Max Jacob ou Robert Delaunay, il fréquente

assidûment le cirque Medrano et le trio de clowns Fratellini. De son côté, Marc Chagall est attiré par

l'univers du cirque ambulant et des musiciens qui lui rappelle son enfance juive à Vitebsk, en Russie. La

magie des couleurs et des sons constitue un support de création poétique. Pour lui, le saltimbanque est une

allégorie de l’artiste et il cultive ce thème comme une métaphore de la vie. Autour des livres d'artistes édités

par Tériade aux éditions Verve en 1950 pour Léger et en 1967 pour Chagall, l'exposition rassemble une

sélection d'études, de gouaches préparatoires, de pages manuscrites ou imprimées. Grâce aux exemplaires

originaux du livre

Cirque

offerts en 1969 par Nadia Léger et Georges Bauquier et en 1995 par Alice Tériade,

veuve de l'éditeur, le musée national Fernand Léger présente l'ouvrage intégralement déployé. Cet

événement offre l’occasion rare d’admirer un chef-d’oeuvre de la bibliophilie d’art du XX

e

siècle. Il est

accompagné d'un florilège de peintures, de dessins et de céramiques sur le thème du cirque provenant de la

collection et de prêts. Au musée national Marc Chagall sont présentées 38 gouaches d’une collection

particulière. Peintes par l’artiste en 1955, elles illustrent 10 ans plus tard le recueil de ses textes sur le cirque

édité par Tériade. Enfin, des prêts de la collection Alain Frère permettent d'évoquer par des costumes, des

photographies et des affiches l'univers fascinant de la piste, source de divertissement pour le public et

d'inspiration pour nos artistes.

************************************************

Catalogue en ligne :

www.musees-nationaux-alpesmaritimes.fr

Textes de Maurice Fréchuret, directeur des Musées nationaux du XX

e

siècle des Alpes-Maritimes, Elisabeth

Pacoud-Rème, chargée des collections au musée national Marc Chagall, Diana Gay, conservatrice au musée

national Fernand Léger, Nelly Maillard, chargée des collections au musée national Fernand Léger et Corine

Pencenat, maître de conférence à l'université Marc Bloch de Strasbourg.

INFORMATIONS PRATIQUES

Commissariat

Maurice Fréchuret

, Directeur des Musées nationaux du XXe

siècle des Alpes-Maritimes

Elisabeth Pacoud-Rème,

Chargée des collections au musée national Marc Chagall

Diana Gay

, Conservatrice au musée national Fernand Léger

Nelly Maillard

, Chargée des collections au musée national Fernand Léger

Nouveau site : www.musees-nationaux-alpesmaritimes.fr

Contacts

Presse : Hélène FINCKER,

T. 06 60 98 49 88,

helene@fincker.com

Public : Françoise BORELLO,

T. 06 70 74 38 71,

francoise.borello@rmngp.fr

M

USÉE NATIONAL MARC C

HAGALL

Avenue Docteur Ménard, 06000 Nice

T + 33(0) 4 93 53 87 20

F + 33(0) 4 93 53 87 39

Accès handicapés

Accès

Aéroport de Nice Côte d’Azur, Gare SNCF,

bus n° 15 et 22, arrêt Musée Chagall

Horaires d’ouverture

Ouvert tous les jours de 10h à 17h sauf le mardi,

le 25 décembre et le 1

er

janvier

Tarifs pendant l’exposition

Plein tarif : 8,50 € - Tarif réduit : 6,50 €

Gratuité pour les moins de 26 ans (U.E) et pour

tous le 1

er

dimanche du mois

Achat de billets en nombre et à l’avance

Musée & Compagnie,

museecie@rmngp.fr

T + 33(0)1 40 13 49 13

Billet jumelé entre le musée Léger et le musée

Chagall,

valable 30 jours à compter de la date

d’émission du billet.

Réservations visites libres

F + 33 (0)4 93 81 13 11

chagall.groupe@culture.gouv.fr

Réservations visites commentées

T + 33 (0)4 93 53 87 35

F + 33 (0)4 93 53 87 39

chagall.visiteguide@culture.gouv.fr

Audioguides

Adultes en français, anglais, allemand, italien,

russe, japonais, chinois, Visioguides en LSF et

audioguides enfants en français et en anglais

Librairie-boutique

Affiches, cartes postales, beaux-livres,

catalogues, reproductions d’objets d’art, bijoux,

produits Rmn T + 33(0) 4 93 53 75 71

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Chemin du Val de Pome, 06410 Biot

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envibus

n°10,

arrêt musée Léger. Par l’autoroute sortie

Villeneuve-Loubet RN7, puis direction Antibes

à 2km, prendre la direction Biot

Horaires d’ouverture

Ouvert tous les jours de 10h à 17h sauf le mardi,

le 25 décembre et le 1

er

janvier

Tarifs pendant l’exposition

Plein tarif 6,50 € - Tarif réduit 5 €

Gratuité pour les moins de 26 ans (U.E) et le 1

er

dimanche du mois

Achat de billets en nombre et à l’avance

Musée & Compagnie,

museecie@rmngp.fr

T +33 (0)1 40 13 49 13.

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Préambule

Le cirque, source d'inspiration pour l'art moderne

Pour la plupart d'entre nous, le cirque évoque les foires médiévales, ses bateleurs, ses dresseurs

d'animaux et autres manifestations festives historiques. Celui qui inspire Léger et Chagall relève

toutefois d'une histoire récente qui remonte à la seconde moitié du XVIII

e

siècle et triomphe à

partir de la fin du sièc

Véronique Prat
16/11/2009 | Mise à jour : 15:10

Crédits photo : (Vincent Cunillère)

Une carrière internationale commencée il y a plus de soixante ans, une œuvre toujours vivante et intransigeante, une rétrospective riche d'une centaine d'œuvres au Centre Pompidou : Soulages fait l'événement. En exclusivité, il nous a ouvert les portes de son atelier.

J'avais 10 ans, peut-être moins, je ne sais plus, je jouais, je traçais à l'encre des traits noirs sur une feuille de papier blanc. Une amie de ma sœur, plus âgée que moi d'une quinzaine d'années, me voyant tellement appliqué m'a demandé ce que je faisais. Je lui ai répondu "un paysage de neige". Je revois encore son visage stupéfait. Et pourtant, je n'avais ni le goût du paradoxe ni l'envie de la provocation. Ce que je faisais était effectivement un paysage de neige. Le blanc du papier s'illuminait comme la neige grâce aux traits noirs que j'y peignais...»

Plus tard, il y eut le lycée, l'adolescence, les activités des adultes, mais Pierre Soulages n'en démordra pas : l'art lui est toujours apparu comme la seule chose qui vaille qu'on lui consacre sa vie. Natif de Rodez (en 1919), son enfance est vagabonde : le braconnier du coin lui apprend à piéger les grives et les lapins, à pêcher la truite à la mouche dans les eaux de l'Aveyron. Il fait la connaissance d'un archéologue qu'il accompagne sur ses chantiers de fouilles dans les Causses. Le musée Fenaille de Rodez expose toujours quelques pointes de flèches paléolithiques trouvées alors par Soulages. En 1938, il monte à Paris pour passer le concours de l'Ecole des beaux-arts, et le réussit. Mais, faute de se reconnaître dans l'enseignement académique que l'on y délivre, il rentre à Rodez. Il a tout de même eu le temps de découvrir Cézanne et Picasso, exposés à la Galerie Rosenberg.

Il ne retournera à Paris qu'en 1946, mais il n'est plus seul : Colette l'accompagne. Aujourd'hui, voilà plus de soixante ans qu'ils ne se quittent pas. Le couple s'installe à Courbevoie. Refusé au Salon d'automne, Soulages tente sa chance au Salon des surindépendants, où Picabia voit ses toiles et lui prédit, comme gage de succès : «Avec ce que vous faites, vous n'allez pas tarder à avoir beaucoup d'ennemis.» Dès 1948, il est reconnu outre-Rhin et expose en Allemagne avec d'autres artistes qui, comme Hartung ou Kupka, resteront ses amis jusqu'au bout. Le petit groupe se distingue de la peinture dynamique et colorée qui s'impose après la guerre. Fidèle aux couleurs de son enfance, Soulages, lui, peint « sombre ». Un après-midi, un colosse à l'accent américain pousse la porte de son atelier. Il regarde attentivement les toiles, répète plusieurs fois «J'aime. J'aime ça», et tend sa carte à Soulages. C'était James Johnson Sweeney, le directeur du Museum of Modern Art de New York, l'homme qui avait découvert Pollock et fait connaître Calder. Samuel Kootz, son marchand américain, va vendre les toiles de Soulages non seulement aux grands musées américains mais aussi à des réalisateurs comme Otto Preminger, Billy Wilder et Alfred Hitchcock. Bientôt, Soulages sera connu dans le monde entier et, à partir de 1960, les rétrospectives se multiplient.

Son « œuvre au noir » intrigue. On voit assez bien ce que sa peinture n'est pas : ni figurative, bien sûr, ni narrative, ni expressionniste. Elle est abstraite, alors ? Peut-être, mais d'une abstraction singulière, sans programme ni théorie. D'autres artistes, ses contemporains, ont au même moment une période surréalisante, ils regardent vers Miró et vers Paul Klee. Pas Soulages. Ses œuvres sont à part, on peut les admettre ou les refuser, mais elles ne se discutent pas. D'une rigueur absolue, elles sont structurées de forts signes architectoniques. Quand il évoque son long parcours, Soulages aime rappeler cette anecdote. Une nuit de janvier 1979, il travaille à une toile de plus en plus chargée de noir : «Depuis des heures, je peinais, je rajoutais du noir, je le retirais, j'avais l'impression de patauger dans un marécage, sans trouver d'issue. J'avais pourtant le sentiment que cette toile avait quelque chose à me dire. Je suis allé dormir. Deux heures plus tard, en regardant ce que j'avais fait, j'y ai vu quelque chose de nouveau: ma peinture ne jouait plus sur les contrastes de couleurs, mais sur les variations de lumière. Je ne travaillais plus avec le noir, mais avec cette lumière secrète venue du noir. En acceptant d'intégrer le reflet de la lumière par la surface peinte, en travaillant l'opposition du lisse et du strié dans l'épaisseur de la couleur, j'inaugurai une peinture tout autre que la peinture classique. J'ai poursuivi dans cette voie. Pour moi, une nouvelle période avait commencé.» «L'outrenoir», comme il l'appellera lui-même, ouvrait à Soulages une peinture aux possibilités nouvelles.

Il fabrique lui-même ses outils: bâton de craie, semelle, écorce d'arbre

Trente années plus tard, à la veille de son 90e anniversaire, Soulages nous reçoit dans son atelier parisien situé près de l'église Saint-Nicolas-du-Chardonnet. Une pièce blanche et presque vide. On ne voit que le dos des toiles, toutes tournées vers le mur. Sur une table, bien rangés, reposent ses outils : non pas les pinceaux traditionnels des peintres, mais des outils que Soulages a détournés - comme des racloirs de tanneur, des couteaux d'apiculteur, des brosses de peintre en bâtiment - ou qu'il a fabriqués - comme des morceaux de semelles en caoutchouc ou des balais. Tous destinés à multiplier les jeux de relief, d'empreintes, de lissage dont Soulages dote sa peinture comme autant de pièges à lumière. Il lui arrive de venir dans son atelier, puis de repartir sans avoir rien fait : «Je suis en face de la toile blanche, sans oser faire le premier pas. Je tourne autour, et il ne se passe rien. D'autres fois, j'ose quelque chose, et il y a une réponse. Un enchaînement entre ce qui se passe là et ce que je ressens devant ce qui se passe. De proche en proche, j'arrive à quelque chose qui peut se transformer en une toile. Mais même lorsque c'est très exaltant, il ne faut pas perdre la tête. Il arrive que l'on ne sache pas s'arrêter, et c'est la catastrophe. Il arrive aussi que l'on s'arrête sans savoir pourquoi, et l'on s'aperçoit plus tard que le tableau était fait. L'œuvre vit alors sa propre vie.» Telle est l'aventure, audacieuse et puissante, où Soulages nous entraîne à sa suite.

Pour exposer ces peintures noires, toutes vibrantes d'ombre et de lumière, les responsables du Centre Pompidou ont accepté, selon le souhait du peintre, une nouvelle formule d'accrochage : non sur des cimaises, mais au beau milieu de l'espace muséal, où deux fils d'acier sont tendus du sol au plafond. L'exposition démarre avec des œuvres sur papier, des brous de noix des années 1947-1949, les raclages des années 50, les noirs et blancs des années 60. Puis vient la rupture de 1979, l'apparition des peintures « outrenoir » où le tableau devient piège à lumière selon l'heure et la force de l'écla irage. Chacun des pas des spectateurs, en changeant les reflets qui scandent la toile, tire d'elle de nouveaux rythmes. Dans la dernière salle de l'exposition sont réunis, pour la première fois, 17 grands polyptyques, certains datant de 2009. Pour en parler, Soulages reprend une formule qu'il affectionne : «Quand je travaille, je n'ai pas de projet. C'est ce que je fais qui m'apprend ce que je cherche et qui dépasse parfois mes intentions. La réalité est toujours plus riche que ce qu'on imagine et je découvre, à mesure que le tableau progresse, des développements auxquels je n'avais pas pensé.» De l'enfant qui peignait à l'encre noire un paysage de neige au peintre célébré aujourd'hui dans le monde entier, la trajectoire n'a jamais dévié : dès le Soulages des années 50, l'affirmation de soi, d'une volonté que la société ne peut soumettre, d'une indépendance radicale, se manifeste déjà avec tant d'évidence que rien, on le sait, ne la fléchira.


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