Colette - 9 rue de Beaujolais

Dernier lieu de résidence de l'écrivaine Colette, le Palais-Royal est décrit comme une petite province dans Paris par cette femme de lettres française mais aussi actrice et journaliste. Elle se fait connaître par son roman Claudine et devient la deuxième femme élue à l'académie Goncourt en 1945. Femme libre engagée, elle œuvrera pour la liberté des femmes et écrits de nombreux ouvrages sur la bisexualité.

Anne-Sophie Pic, La Dame de Pic, 20 rue du Louvre

Fille et petite-fille de chefs triplement étoilés au Michelin, Anne-Sophie Pic tient ici son restaurant La Dame de Pic depuis 2012. En 2007, elle gagne une étoile au Michelin et est élue "cheffe de l'année" par les guides Michelin. Elle fait partie des rares cheffes à avoir reçu les 3 étoiles.

Niki de Saint Phalle - Fontaine Stravinsky, Place Igor Stravinsky

Artiste peintre, plasticienne et sculptrice franco-américaine Niki de Saint Phalle est membre du groupe des Nouveaux réalistes. Elle devient mondialement connue avec ses tableaux de la collection "Tir", série de tableaux en peinture et plâtre réalisée dans les années 60. En 1971 elle se marie avec Jean Tinguely et réalise avec lui la Fontaine Stravinsky créée dans le cadre de la construction du Centre Pompidou.

 Marie Antoinette - Conciergerie, 2 Boulevard du Palais

Traitresse étrangère, martyr de la révolution française, icône de mode et désormais reine pop, la reine Marie Antoinette continue de déchainer les passions plus de 200 ans après sa mort. Considérée comme l'une des reines les plus connues au monde, elle va avec son mari le roi Louis XVI marquer l'Histoire par son destin hors du commun et sa triste fin. C'est à la Conciergerie, prison révolutionnaire que Marie-Antoinette va passer les dernières semaines de sa vie. La reine sera jugée à quelques mètres de sa cellule dans le Tribunal Révolutionnaire et y rédigera sa dernière lettre testament avant d'être finalement décapitée sur la Place de la Concorde.

Simone Signoret - 15 Place Dauphine

Auteure et actrice française Simone Signoret tourne avec les plus grands. Elle est la seconde actrice française à recevoir l’oscar de la meilleure actrice en 1960, puis le César de la meilleure actrice en 1977. Populaire auprès des français, elle tiendra de nombreux rôles tout au long de sa carrière et n’hésitera pas à affirmer ses idées politiques en signant par exemple le Manifeste des 121 en 1960, déclaration sur le droit à l’insoumission dans la guerre d’Algérie. Mariée à Yves Montand ils passeront une partie de leur vie dans l’ancienne librairie « la Roulotte » au 15 place Dauphine. Tous deux reposent aujourd’hui au Père-Lachaise.

Coccinelle – 75 bis rue des Martyrs

Jacqueline, Charlotte Dufresnoy, dite Coccinelle était l’égérie du cabaret de Madame Arthur. C’est à cette adresse qu’elle a débuté sa carrière dans le monde du spectacle en 1953, avant de s’illustrer dans d’autres cabarets parisiens. Première célébrité a changé officiellement d’état civil, elle est un véritable symbole du combat pour la reconnaissance des droits des personnes trans. Une promenade à son nom a été inaugurée en mai 2017, située entre le numéro 2 et le 16 du terre-plein du boulevard de Clichy.

Sophie Germain - 13 Rue de Savoie

Passionnée par les mathématiques elle lit dès l'enfance Newton et Euler et entreprend de devenir mathématicienne. Sophie Germain s'invente alors un pseudonyme : Antoine-Auguste Le Blanc pour pouvoir accéder à l'école polytechnique de Paris, alors exclusivement réservée aux hommes. Elle travaille essentiellement sur la théorie des nombres (théorème de Fermat) et faits de très nombreuses découvertes dont le fameux théorème Sophie Germain. Elle vécue ici de longue années jusqu'à sa mort en 1831.

Sarah Bernhardt - 5 Rue de l'École de Médecine

Rendez-vous au 5 rue école de Médecine, lieu de résidence de Sarah Bernhardt. Qualifiée de « monstre sacré » par Jean Cocteau, Sarah Bernhardt aura une carrière internationale, influencera la mode, la littérature et les arts décoratifs de son époque. Elle sera directrice de théâtre à la Renaissance puis au théâtre des Nations qu'elle nomme le théâtre Sarah Bernhardt. Femme engagée elle prend le parti d'Émile Zola dans l'affaire Dreyfus et s'engage contre la peine de mort. Amputée d'une jambe en 1915, elle ne se produira plus qu'assise, très populaire, la France lui consacre des funérailles nationales lors de sa mort en 1923.

Marie Curie - Institut Curie 1 Rue Pierre et Marie Curie

Physicienne et chimiste Marie Curie mène des recherches sur un nouveau phénomène qu’elle nommera radioactivité. Ses recherches mèneront également à la découverte de deux nouveaux éléments le radium et le polonium avec son mari Pierre Curie. Après avoir reçu le prix Nobel de physique en 1903, l'Université de Paris et l'Institut Pasteur édifient un nouveau bâtiment en son nom : le Laboratoire Curie, composante de l'Université de la Sorbonne, désormais l'Institut Curie. Elle y exercera le métier de professeure de physique pendant près de 20 ans, et sera la première femme à donner des cours à des étudiants. En 1911, elle décroche le Nobel de Chimie. Elle repose aujourd’hui avec son mari au Panthéon. C'est à cet Institut que sa fille Irène Curie et Frédéric Joliot découvriront la radioactivité artificielle en 1934.

Françoise Sagan - 34 Rue Guynemer

Dans cet appartement, face au jardin du Luxembourg, Françoise Sagan détestant la solitude et grande généreuse organisait des réceptions où elle invitait ses amis Orson Welles, Ava Gardner ou encore Georges Pompidou. Devenue célèbre avec son premier roman, Bonjour tristesse en 1954 alors qu'elle n'a que 18 ans, Françoise Sagan connait un destin de grande écrivaine et dramaturge avec plus d'une cinquantaine de romans, de nouvelles, de pièces de théâtre et de chansons.

Olympe de Gouges - 18 - 20 Rue Servandoni

Auteure de la déclaration des droits de la femme et de la citoyenne en 1791 rédigée au 18 rue Servandoni, Olympe de Gouges est féministe et réformiste. Elle milite pour l'abolition de l'esclavage et réclame des refuges pour les plus vulnérables. Véritable engagée, elle plaide notamment pour le droit au chômage des ouvriers et le droit au divorce pour les femmes. Elle sera la deuxième femme après Marie-Antoinette à être décapitée lors de la Révolution Française.

Simone de Beauvoir - Le Café de Flore

Le Café de Flore était considéré comme le quartier général de plusieurs grands esprits dont Simone de Beauvoir. Avec son mari Jean-Paul Sartre, elle fait de ce lieu leur siège social et considère le café comme chez eux. Ici, les journées de Simone de Beauvoir seront consacrées à ses écrits, devenue l'une des auteures les plus lues du monde, elle obtient le prix Goncourt pour son roman "Les Mandarins" en 1954.

Théoricienne du mouvement féministe avec son livre "Le Deuxième Sexe", Simone de Beauvoir participe dans les années 70 au mouvement de la libération de la femme.

Sonia Delaunay - 16 rue Saint Simon

Artiste peintre d’origine ukrainienne, Sonia Delaunay et son mari Robert vécurent et créèrent au 16 rue de St-Simon. Le fauvisme inspire ses premières créations avec notamment le célèbre tableau « Philomène », conservé aujourd’hui au centre Pompidou. Artiste reconnue de son vivant, Sonia Delaunay se verra offrir une rétrospective de son œuvre au musée du Louvre en 1964 et la distinction d’officier de la Légion d’honneur en 1975. 

Elle laisse après sa mort en 1979, une œuvre riche comprenant aussi bien des tableaux, des tissus imprimés, des livres d'artistes, des robes de haute couture, des objets d’art… Sonia Delaunay se disait incapable de définir sa forme d’art. Discriminée par les critiques d’art de l’époque moderne, le style Delaunay est aujourd’hui mondialement reconnu.

Madame de Staël - 102 rue de Grenelle

Cette adresse est le lieu de résidence à partir de 1798 de Madame de Staël, grande romancière du mouvement romantique. Germaine de Staël joue un rôle politique avec ses livres "Delphine" en 1802 et "Corinne ou l’Italie" en 1807 qui dénoncent les conditions de la femme du 18e siècle.

Pour la plupart des hommes politiques et écrivains de l'époque, elle est décrite comme empiétant les domaines réservés aux hommes.

Romy Schneider - 11 rue Barbet-de-Jouy

Connue du grand public pour son rôle de Sissi l’impératrice, Romy Schneider tourne avec les plus grands : Visconti, Tavernier, Welles, Sautet. Engagée pour les droits de la femme, Romy Schneider milite dans les années 70 pour un avortement libre et signe le Manifeste des 343 pour l'avortement précisant avoir elle-même avorté.

Elle vit à Paris, rue Barbet-de-Jouy jusqu’à sa mort prématurée à 43ans en 1982, après avoir connu une grande carrière internationale. Romy Schneider reçoit en 2008 un César d'honneur pour l'ensemble de sa carrière.

Simone Veil - 11 Place Vauban

Le 11 place Vauban était le lieu où Simone Veil vécut avec son mari Antoine et leurs enfants. Son discours pour le droit à l'IVG marquera l’histoire puisque le 17 janvier 1975, "la loi Veil" fut adoptée légalisant l'interruption volontaire de grossesse.

Femme politique émérite, Simone Veil repose aujourd’hui au 

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• • Par Astrid De Larminat
  • Publié le 13/03/2014 à 07:00

Gaspard-Marie Janvier (à gauche) et Xavier Patier dans l'église Saint-Étienne-du-Mont, à Paris où repose Blaise Pascal. Crédits photo : Sébastien SORIANO/Le Figaro

INTERVIEW - Janséniste, l'auteur des Penséeset des Provinciales était-il hérétique ? Les écrivains Xavier Patier et Gaspard-Marie Janvier débattent.

Pascal n'était pas un petit ange. Adolescent prodige en mathématiques, il était prétentieux et péremptoire. Il devint ensuite, entre 20 et 30 ans, un catholique tourmenté, mondain, avide, ambitieux, qui fréquentait les salons, se déplaçait en carrosse. Jusqu'à la fameuse nuit du 23 novembre 1654 qui le surprit alors qu'il disait n'avoir plus aucun attachement pour les choses de Dieu. D'après Xavier Patier, qui vient de publier Blaise Pascal, la nuit de l'extase *, il devient alors un saint. Un avis que ne partage pas complètement Gaspard-Marie Janvier, qui a rencontré Pascal dans sa première vie de mathématicien et prépare maintenant une thèse sur les Pensées et la Bible.

Xavier Patier, vous rêvez que Pascal soit canonisé. Mais n'était-il pas hérétique, puisque janséniste?

Xavier PATIER.-Certes non! La question théologique dans la querelle de Port-Royal était au fond un prétexte: l'enjeu était politique. Il y avait des relents de Fronde chez les Messieurs de Port-Royal, et le jeune Louis XIV s'en est très vite rendu compte. C'était aussi une dispute de grands orgueilleux.

Gaspard-Marie JANVIER.- Je ne suis pas d'accord. Entre les Jésuites et les jansénistes de cette époque, ce sont vraiment deux visions du monde et de la religion chrétienne qui s'affrontent. L'une donne le pouvoir à l'homme, l'autre le laisse à Dieu. Pour caricaturer un peu, c'est le théâtre de Corneille contre celui de Racine. Ce n'est pas un hasard si ceux qu'on appelait les «Messieurs de Port-Royal» ont quitté les fonctions éminentes qu'ils occupaient dans l'administration royale. Imaginez les énarques allant s'installer dans la vallée de Chevreuse pour s'occuper à des tâches humbles et au salut du monde!

Quel était le fond du débat?

G.-M. J.- Tout part d'une controverse de saint Augustin contre un moine irlandais appelé Pélage, au Ve siècle. Pélage dit que Dieu a donné une bonne fois pour toutes une grâce suffisante à tous les hommes et qu'ensuite c'est à chacun par ses œuvres de mériter son salut. Augustin répond que c'est faire l'homme plus puissant que Dieu. Il affirme que Dieu seul sauve par sa grâce, laquelle ne peut être qu'efficace, c'est-à-dire suivie d'effet. L'Église a déclaré Pélage hérétique et adopté les positions d'Augustin. Fin XVIe, début XVIIe, certains théologiens jésuites espagnols reprennent les thèses pélagiennes, ce qui fait réagir un théologien hollandais appelé Jansénius qui écrit un gros manuel d'augustinisme, aussitôt soutenu par les gens de Port-Royal et attaqué par les Jésuites. En appelant leurs adversaires augustiniens des «jansénistes», les Jésuites créent une hérésie imaginaire, qui n'a d'ailleurs jamais été déclarée telle. Ce n'est ni une secte, ni un parti, ni une école: ce sont des personnalités diverses qui se rejoignent dans leur adhésion à un certain augustinisme.

X. P.- Hérésie imaginaire, en effet! Je maintiens que c'étaient des querelles de corneculs comparables à celles des radicaux-socialistes et des radicaux de gauche, ou de la CGT et de la CGTU! Pascal, en revanche, lorsqu'il commence à écrire Les Provincialespour défendre son ami Arnauld, est animé par un authentique amour de la vérité contre des adversaires de mauvaise foi.

G.-M. J.- Pour défendre ceux qu'on appelle «les jansénistes», Pascal commence à rédiger, en janvier 1656, des lettres fictivement adres­sées à un ami provincial qui ne serait pas au courant des affaires parisiennes. Elles paraissent en feuilleton et rencontrent un succès extraordinaire. Le texte pratique une naïveté feinte et féroce. Tout le monde se gausse des Jésuites. Pascal les ridiculise ad vitam aeternam, ce qui évidemment ne se pardonne pas. On peut avancer que si Pascal invente une forme géniale d'écriture polémique, ses Provinciales ont eu des conséquences politiques catastrophiques. Les Jésuites, qui sont très influents, n'auront de cesse de faire éradiquer Port-Royal de la carte. Un demi-siècle plus tard, les religieuses sont expulsées, l'abbaye et son cimetière rasés, les morts profanés, sur ordre de Louis XIV.

X. P.- Zola n'aurait pas écrit son «J'accuse» de la même manière sans Les Provinciales. Les éditos de Serge July non plus n'auraient pas été les mêmes! Pascal est le premier des indignés.

Grâce, prédestination: ces grands mots au cœur des Provinciales ont disparu des Pensées. Pourquoi?

G.-M. J. - Il y a deux manières de parler de l'action divine: ou bien on se met du point de vue de Dieu, on cherche à comprendre sa logique et sa volonté, cela donne des discours de théologie rationnelle qui restent des manières de faire penser Dieu selon les catégories de la pensée humaine. Pascal s'y est essayé dans ses Écrits sur la grâce, restés inachevés, ainsi que dans  Les Provinciales, sur un mode vulgarisé de «journalisme théologique». Dans les Pensées, il cherche un autre langage pour parler aux gens de son époque. De sorte qu'il n'emploie aucun des gros mots théologiques qui font controverse, mais aborde la religion du point de vue le plus empirique et irréfutable: il y a des hommes qui recherchent Dieu, d'autres non, il en est qui ont la foi et pas d'autres. La soi-disant prédestination se fait ainsi toute seule: chacun est libre de croire ou de ne pas croire.

X. P. - Le fond de l'augustinisme n'est pas la prédestination, en effet, mais le libre arbitre. Tous les hommes ne cherchent pas Dieu, mais Dieu cherche tous les hommes. Pascal a prouvé que l'observation du monde ne permet pas de trancher en faveur de l'existence ou non de Dieu: il y a de la beauté mais aussi de la violence. Il a fait l'expérience physique qu'on n'accède à Dieu que par le Christ. Il dit que la foi est du domaine de l'expérience amoureuse. Pendant la nuit de novembre 1654, le géomètre n'a pas fait une découverte: il a fait une rencontre.

Blaise Pascal (1623-1662), gravure anglaise. Crédits photo : Rue des Archives/©The Granger Collection NYC/Rue

Pascal n'est-il pas fidéiste, doctrine condamnée par l'Église selon laquelle la raison n'a aucun rôle à jouer dans la connaissance de Dieu?

G.-M. J. - Bien sûr que Pascal n'est pas fidéiste! Il considère certes que notre raison est corrompue par notre finitude, qui nous empêche de remonter à l'infini jusqu'aux principes ; pour autant, il affirme que la religion ne peut être contraire à la raison.

X. P.- Pascal écrit que deux excès sont à éviter: «exclure la raison, n'admettre que la raison». On ne saurait être plus clair.

G.-M. J. - L'interlocuteur de l'argument du pari se laisse convaincre par sa raison qu'il est plus intéressant de croire en Dieu. Il demande alors comment faire. Pascal lui répond: abêtissez-vous! Autrement dit, agenouillez-vous. Mais s'il s'abaisse trop, il le relève: «S'il se vante, je l'abaisse, s'il s'abaisse, je le vante.»

X. P.- À celui qui veut avoir la foi, Pascal répond: allez à la messe, allez-y comme tout le monde, passez dans le confessionnal comme tout le monde et lisez votre paroissien comme tout le monde. C'est très simple. Mais les sages et les savants ne veulent pas aller au confessionnal comme tout le monde.

Pascal écrit qu'il faut se haïr, ce qui choqua Bernanos.

X. P.- Il y a un énorme malentendu. Bernanos a lu Pascal en diagonale. Le «moi haïssable» de Pascal, c'est le moi dévoyé qui se déifie lui-même. Pascal s'adresse à un libertin, et au libertin qui est en lui, c'est pour cela qu'il tape très fort. Pascal n'était pas un austère. Il écrit que, dans la vie spirituelle, on ne quitte un plaisir que pour un plaisir plus grand. Celui qui n'a rien compris à Pascal, c'est Claudel. Claudel est un conservateur. Il aime le pouvoir, il aime les Jésuites, Louis XIV et la Sorbonne!

G.-M. J. - Attention au contexte! Quand Pascal écrit que «le moi est haïssable», c'est haïssable par autrui. Mon moi est «incommode aux autres» précise-t-il. Voilà une belle leçon pour se modérer en société! Quant à ce côté rabat-joie qu'on reproche à Pascal et aux jansénistes, il repose également sur un malentendu théologique. Les augustiniens pensent que Dieu, qui connaît l'homme et sait qu'il n'agit toujours qu'en vue de son plaisir, dispense sa grâce sous forme d'une «délectation victorieuse». Sous l'effet de la grâce, le plaisir à agir saintement devient tel que tous les autres plaisirs, à côté, sont de la gnognotte!

Pascal dit que la religion chrétienne est celle qui connaît le mieux la nature de l'homme: à la fois sa misère et sa grandeur.

G.-M. J. - Quand Pascal parle de la misère de l'homme, c'est un constat anthropologique, non un jugement moral. Pascal n'est pas un moraliste. Il constate empiriquement que l'homme est un monstre contradictoire. Sa seule manière de résoudre cette contradiction est de suivre le Christ. La caractéristique du jansénisme, c'est le retour à la notion de péché originel, qui porte l'idée qu'il faut regarder l'homme à la fois dans sa misère et dans sa grandeur. Là est la trouvaille de saint Augustin: le péché originel n'est pas une affaire morale mais un défaut de structure: qu'on le comprenne ou pas, l'homme est fichu comme ça. Il est capable du meilleur comme du pire. C'est cela qu'oublient de préciser les déclarations des droits de l'homme.

X. P.- Pascal n'a pas intégré la morale dans son logiciel. Quand le pape François dit au sujet des homosexuels: «Qui suis-je pour les juger?», c'est très pascalien!

G.-M. J. - C'est aussi très jésuite! (Rires.)

Pascal n'est pas non plus un dogmatique?

G.-M. J. - Il renvoie dos à dos le scepticisme et le dogmatisme, mais s'il devait pencher d'un côté, ce serait du côté sceptique. Il dit que la maladie naturelle de l'homme, c'est de croire qu'il possède directement la vérité.

Pascal est un génie. Est-il pour autant un saint, au regard des deux critères retenus pour canoniser quelqu'un: son rayonnement spirituel et ses vertus?

X. P.- Pascal est devenu un saint dans la nuit de novembre 1654, où il vit une espèce d'effusion de l'Esprit. Il découvre quelque chose qu'il savait mais qui lui était resté théorique, que le christianisme est la religion de l'amour: il se découvre aimé. Dans la lumière de Dieu qui l'éclaire cette nuit-là, ce scientifique imbu de sa supériorité désire se soumettre à Jésus, ce sceptique ressent une immense certitude, ce pessimiste est fasciné par la grandeur de l'âme humaine, ce cérébral éprouve un sentiment. Ce sont les mots qu'il emploie dans le compte rendu qu'il fait au matin de cette expérience, le fameux texte du «Mémorial». Pascal ne dit rien à personne, mais sa sœur remarque qu'il a une mine de «pénitent réjoui». Pascal ne devient pas parfait, mais il devient heureux. Il a compris qu'à la suite du Christ la sainteté consiste à se laisser aimer. Quant à son rayonnement spirituel, il est indéniable: des générations entières ont été converties par Pascal. Et puis, à l'ère du numérique, la France a besoin d'un saint scientifique. L'inventeur de la calculatrice serait aujourd'hui un geek, j'en suis sûr. Un saint geek! Il faudrait aussi à la France un saint qui a montré que l'État devient obscène quand il devient arbitraire - c'est ça, l'histoire de Port-Royal contre le pouvoir.

G.-M. J. - Quand on veut répondre à quelqu'un qui se trompe, on doit lui montrer d'abord en quoi il a raison. Vous avez raison… en ce que Pascal a sans doute des qualités qui lui permettraient d'être canonisé. Je pense à saint Thomas d'Aquin, qui n'avait pas fait de miracle et dont Jean XXII disait: «Autant d'articles, autant de miracles.» Pour Pascal, on pourrait dire: «Autant de fragments, autant de miracles.» Oui, Pascal a eu un rayonnement spirituel exceptionnel. Pour autant, le canoniser ne me paraît pas opportun. Le premier miracle est qu'il soit encore dans les programmes scolaires. Sa canonisation fournirait une trop belle occasion de le mettre à l'index! Par ailleurs, il faut un consensus pour une canonisation. Or Pascal est encore assimilé au jansénisme et l'Église n'a pas révisé ses positions sur le jansénisme, qui sert toujours de repoussoir. Autre réticence, au chapitre de l'héroïsme des vertus: la vie même de Pascal ne me paraît pas exemplaire. Les Provinciales ne sont pas vraiment une œuvre de charité…

X. P.- Il y a des saints qui sont d'abominables râleurs, des saints doux, et des saints violents, des saints qui grondent. Il y a tous types de caractères de saints. Ça n'est donc pas la question. La sainteté s'est exprimée chez Pascal par ce qu'il avait de meilleur: son intelligence qu'il a mise au service ni d'une théorie ni d'un clan, mais au service de l'amour de Dieu.

Faudrait-il au moins lui offrir une sépulture digne de son génie?

X. P.- Il est bien dans son caveau discret sous le tabernacle de l'église Saint-Étienne-du-Mont.

G.-M. J.- Ne lui faisons pas de monument! Et, par pitié: ne nous le mettez pas au Panthéon…

* «Blaise Pascal, la nuit de l'extase», de Xavier Patier, Cerf, coll. «Épiphanie», 175 p., 17 €.

Jules Renard est né le 22 février 1864 à Châlons-du-Maine (Mayenne) où son père, entrepreneur de travaux pour le chemin de fer, s'était provisoirement installé. C'est le cadet de trois enfants. Sa soeur Amélie est née en 1859 et son frère Maurice en 1862. A l'époque de sa naissance, ses parents, François Renard et Anne-Rosa Colin, ne s'entendent définitivement plus et sa venue n'a pas été souhaitée.

Lorsque Jules Renard a deux ans, sa famille s'installe à Chitry-les-Mines, dans la Nièvre, village d'origine de son père et dont ils deviendront maire tous les deux.

André-Paul Antoine décrit ainsi les membres de la famille Renard :

« Grand chasseur, taciturne, bourru, se consolant d'un mariage mal assorti par des aventures prudentes sous couleur de veiller à ses affaires, François Renard ressemblait trait pour trait à M. Lepic. Quant à Mme François Renard, son fils ne se cachait nullement de l'avoir portée toute vive sur la scène et dans les Cloportes. Jules Renard s'était toujours mal entendu avec son frère aîné Maurice, nonchalant, assez égoïste, qui n'aimait véritablement que son village de Chitry et mourut beaucoup plus tard d'une angine de poitrine qui le terrassa dans son bureau. Par contre, pendant toute son engance, Jules Renard partagea avec sa soeur Amélie une tendre affection. C'est elle qui lui envoyait à Paris, quand il y vint faire ses études, de menus subsides et des cadeaux utiles. Amélie avait épousé un négociant en rubans de Saint-Etienne et ravitaillait le jeune homme en cravates. Elle était sa confidente. Très pieuse, elle ne le comprenait pas très bien, mais l'aimait. Quant à sa mère, Jules Renard en a laissé dans Poil de Carotte, dans les Cloportes et dans la Bigote, un portrait certainement retouché mais féroce. Au cours des répétitions de Poil de Carotte, il avait alors trente-six ans, il avouait que personne le l'impressionnait encore autant qu'elle. Et l'espèce de haine que Jules Renard lui vouait semblait en grande partie justifiée. Les yeux brillants, la voix dure, Anne-Rosa Renard était d'une volubilité presque maladive. Aigre, fantasque, exagérée, elle sombrait tout à coup dans des crises de larmes incompréhensibles. Elle exaspérait tout le monde. Elle n'aima jamais Jules Renard, dont elle avait certainement gâché l'enfance, provoquant chez lui un réflexe de contradiction mentale et de défense qui le marqua à jamais. »

André-Paul Antoine, Antoine père et fils, cité in Jules Renard, vu par ses contemporains, Association des Amis de Jules Renard

« C'était un grand garçon roux, solide, au front bombé, à la physionomie originale et fine, aux yeux aigus, mais taciturne et peu enclin aux confidences. Il m'empruntait, avec un soin constant, les livres profanes que j'apportais du dehors, mais il me les rendait sans mot dire. Comme un coeur trompé que l'expérience a rendu méfiant, il décourageait les approches. Déjà, il m'intriguait par son mystère. »

Ernest Raynaud - La mêlée symboliste (1900-1910)

Il obtient le baccalauréat mais n'a aucune envie de rentrer à Chitry et reste à Paris, où il vit d'une pension que lui fait son père. C'est une période difficile, ponctuée de difficultés financières et de nombreux appels à l'aide à son père, son frère, et sa soeur qui vit à Saint-Etienne avec son mari. Il espère un temps décrocher une place aux Chemins de fer de l'Est et multiplie en vain les démarches pour y parvenir. Finalement, il va travailler quelques mois à la Société de magasinage et de crédit, et comme precepteur des trois fils du romancier Auguste Lion.

« Le baccalauréat obtenu, Renard resta à Paris sous couleur de se préparer à l'Ecole normale. Il occupait une chambre garnie, rue Jean-Lantier. Il vivait chichement d'une maigre rente de son père, qui dirigeait une entreprise de travaux publics, dans la Nièvre et présidait, comme maire, aux destinées de son village. M. Renard père venait quelquefois à Paris. C'était un homme simple, à la belle barbe blanche, comme on en voit aux portraits de Garibaldi, et qui donnait l'impression de la vigueur. Il parlait peu. Je l'ai vu demeurer des heures entières au milieu de la société la plus animée, sans ouvrir la bouche. Il se contentait de fumer sa pipe, les yeux repliés en lui-même. Il devait finir tragiquement. Son commerce déclinant, il diminua, et, je crois bien, suspendit tout à fait la rente de son fils. Jules Renard accepta, pour vivre, une place de comptable chez un charbonnier en gros, rue Vivienne, mais il n'entendait rien à la comptabilité (du moins à ce qu'il avouait), et finit par quitter cet emploi, dénué d'agrément. »

Ernest Raynaud - La mêlée symboliste (1900-1910)

Durant cette époque, il lit beaucoup et commence à fréquenter le monde des lettres. Il se lie avec Danièle Davyle, pensionnaire de la Comédie-Française, qui récite son poème Les Roses dans les salons et les théâtres.

Il fait connaissance avec le couple Galbrun, les Vernet de l'Ecornifleur et part avec eux en vacances à Barfleur, à charge pour lui d'écrire un livre sur l'ameublement.

Il publie ses poèmes à compte d'auteur sans le moindre succès. Crime de village, recueil de nouvelles, ne trouve pas d'éditeur.

Il commence la rédaction de son journal et de son roman Les Cloportes, qui ne sera publié qu'en 1919. On y fait connaissance de l'agréable famille Lérin, qui est une répétition générale avant l'entrée en scène des Lepic.

Le 4 novembre 1885, il part faire une année de service militaire à Bourges, elle aussi ponctuée de problèmes financiers.

« En 1888, Jules Renard fit un mariage d'amour qui lui apportait en même temps quelque aisance. Les deux époux s'installèrent rue du Rocher. C'était un spectacle touchant que celui de leur tendresse. Mme Renard, jeune - elle avait à peine seize ans, - intelligente, vertueuse, agréable, enveloppait son mari d'une affection vigilante. Elle paraît les chose de sa grâce enjouée et saine. Renard demeura fidèle et rangé. Dès qu'on entrait, on se sentait baigné d'une atmosphère tranquille. Une vertu pacifiante fleurissait autour de la lampe. Cette intimité bourgeoise avait son charme et reposait des intérieurs d'artistes, ordinairement traversés de fracas et d'orages. On en emportait une impression de bonheur. »

Ernest Raynaud - La mêlée symboliste (1900-1910)

Crime de village, dédié à son père, paraît à compte d'auteur.

En 1889, naissance de son fils Jean-François (Fantec).

Cette année-là, il participe à la fondation du Mercure de France, revue littéraire dont il est le principal actionnaire. Il y publie des critiques et une partie des textes qui seront regroupés dans Sourires pincés (1890). Le cercle de ses relations s'élargit et il commence à avoir ses entrées dans le monde de la presse.

Il entreprend en 1890 la rédaction de L'Ecornifleur et publie Sourires pincés et Les Petites Bruyères. Il sort beaucoup, fréquente les théâtres et les banquets littéraires, malgré le peu de goût qu'il manifeste dans son Journal pour "le monde", et il se lie avec plusieurs auteurs dont Alphonse Allais, Marcel Schwob, Alfred Capus, Courteline, les Goncourt, Alphonse Daudet.

En 1892, publication de L'Ecornifleur. Le roman est bien accueilli par la critique et permet à son auteur d'enfin se faire connaître. Il écrit au Gil Blas, au Figaro, à l'Echo de Paris, et au Journal.

Naissance de sa fille Julie-Marie (Baïe).

Coquecigrues et La Lanterne sourde paraissent en 1893 et confirment sa réputation. Il rencontre Tristan Bernard, qui restera son ami sa vie durant.

Il est élu à la Société des gens de lettres en 1894 et publie Le Vigneron dans sa vigne (qui sera complété en 1901) et Poil de Carotte.

L'année suivante, sa première pièce, La Demande, écrite avec Georges Docquois, est jouée à Boulogne. Il s'agit d'une pièce en un acte tirée de la nouvelle publiée dans Sourires pincés. Publication par le Gil Blas de X..., roman impromptu, écrit avec Georges Auriol, Tristan Bernard, Courteline et Pierre Veber, dont chacun a écrit un chapitre à tour de rôle.

Il a du mal à se faire accepter par des gens qui l'ont connu enfant, mais y progresse petit à petit, grandement aidé en cela par sa femme :

« Tout petit, je passais pour une mauvaise tête. Il faut maintenant que, dans mon cher pays, je me fasse une réputation de bonté. »

« La pauvreté. C'est ma femme qui est bonne. Moi, j'ai du plaisir à m'envelopper d'épines. On s'y trompe. Le curé dit : « Le diable a épousé un ange ». Cela fait l'affaire de mon goût pour l'ironie et des pauvres. Ils acceptent mieux ce que leur donne ma femme, parce qu'ils s'imaginent qu'elle donne à mon insu. Ils ont l'air de me faire une bonne farce. « Ce n'est pas lui qui nous donnera ! » disent-ils. Et ils tendent la main sans pudeur. Ils se vengent de ma dureté. L'aumône qu'ils acceptent est un peu volée. »

Journal

Dans son village et tout autour, il prend des notes sur tout et tout le monde. Rien n'est trop petit ni trop insignifiant pour receler de l'intérêt. Il regarde, il écoute, et rend par de merveilleuses petites touches la vie des hommes et de la nature. Il est soucieux de vérité, de trouver le mot juste, la phrase concise qui laissera à son sujet toute sa poésie... ou son manque de poésie (« Il faut aimer la nature et les hommes malgré la boue », « Vieille ferme, murs qui suent du sang noir de fumier. »).

« Sans aucune aide, sans éclairage théâtral ni lanterne magique, mais en plein jour, et en n'osant que de petits mots biens simples, il s'approchait des fleurs les plus fragiles ou de la plus insaisissable des alouettes, et il cueillait le parfun de l'une, ou prenait au filet la chanson de l'autre... et nous recevions cela tout frais de la Nièvre, un beau matin. Il y ajoutait un sourire, quelquefois. »

« Il veut la vérité. Sans rechercher la poésie mais en la laissant se dégager elle-même de ses phrases qu'il épure autant qu'il est possible. Il les ponce, il les polit, il ne les lâche pas tant qu'elles n'ont pas exprimé le plus en disant le moins. »

Marcel Boulenger, Opinions choisies, cité in Jules Renard, vu par ses contemporains, Association des Amis de Jules Renard

Le Plaisir de rompre est joué pour la première fois en 97, par Jeanne Granier et Henry Mayer, et remporte un vif succès.

Cette année-là, son père, malade, se tue d'un coup de fusil. Ce suicide l'impressionne énormément : « Je serais un coupable et un sot si je ne savais pas dégager de cette mort la belle leçon qu'elle nous donne. » « Je ne peux plus lire. Que vaut la plus belle des phrases après une belle action ? » « J'ai déjà la peur de ne jamais avoir le courage de faire comme mon père. »

Il engage le couple Chalumeau (Philippe et Ragotte dans son oeuvre) pour l'entretien de la maison de famille, qu'occupe sa mère, et de la Gloriette.

1898, l'affaire Dreyfus. Jules Renard s'indigne de la condamnation de Zola. Il exprime longuement sa colère et son écoeurement dans son journal et publie dans Le Cri de Paris des Chroniquettes, textes non signés.

Le 14 mars, Le Pain de ménage est joué par Marthe Brandès et Lucien Guitry : c'est un succès.

Il publie les Bucoliques.

Il fait une conférence sur Michelet à Chaumot.

En 1899, publication des Histoires naturelles illustrées par Toulouse-Lautrec.

Le pain de ménage est joué au Théâtre des Mathurins.

Il fait une conférence sur Molière à Corbigny.

Décès de son frère, d'une angine de poitrine. Il écrit à Tristan Bernard : « Je pleure parce que nous nous sommes bien mal aimés ».

Il est élu conseiller municipal à Chaumot et demande à Léon Blum de lui indiquer « un livre pratique où je m'instruirais dans mes nouvelles fonctions » et « une édition claire des codes. »

Il est (enfin) nommé chevalier de la légion d'honneur, ce qu'il attendait impatiemment et dont il est très fier. Il va pouvoir commencer à pester contre sa croix, qui l'encombre et qui le fait remarquer à son corps défendant, mais il ne paraît jamais avoir l'idée de la mettre tout simplement dans sa poche avec son mouchoir par-dessus.

Il publie une édition augmentée du Vigneron dans sa vigne.

Il fait la connaissance de Jean Jaurès.

La première de Poil de carotte au Théâtre-Antoine est un triomphe. Le Plaisir de rompre est reçu à la Comédie Française. Le Gymnase reprend Le Pain de ménage.

Il fait une conférence à Chaumot sur Victor Hugo.

Il commence à écrire une série de chroniques dans l'Echo de Clamecy, hebdomadaire républicain. « Je ne désire pas, selon l'expression usitée, faire de la politique, je désire faire de la morale , je dirai à ceux qui voudront bien me lire : Voilà ce qui se passe à la mairie, à l'école, voilà quelle est la vie publique de notre petit pays, qu'en pensez-vous ? ».

En 1903, première de Monsieur Vernet, adaptation de L'écornifleur. La pièce est bien accueillie par le public, moins bien par la presse.

Il fait à Clamecy une conférence sur le rire et une sur Molière, qu'il répète à Cosne-sur-Loire.

En 1904, parution du premier numéro de l'Humanité et il y participe en publiant La Vieille. Il collaborera à l'Humanité tout au long de cette année 1904.

« On traitait, comme il le mérite, Poil de Carotte. Ca devenait une élection littéraire. Me confier des enfants, à moi ! »

« On parle, avec mystère et perfidie, d'une certaine personne de ma famille qui n'oserait avouer ni son nom, ni son emploi. Qu'est-ce que ça signifie ? L'un des miens tiendrait-il une maison ?
D'ailleurs mon père exploitait ses ouvriers, ce qui explique pourquoi je suis si riche et si avare.
Sur un papier rouge semé la nuit, dans les cours, sous les portes, je lis : « Les paysans sont des imbéciles. On ne peut rien leur faire comprendre ! Paroles de Jules Renard à une interview de l'Echo de Paris. »

« Que d'insultes ! Et le conseil de me faire baptiser au sécateur est une des plus propres. »

Pour lui, ce qui importe plus que tout, c'est la lutte contre contre l'ignorance, qui maintient les paysans dans des conditions pénibles qu'ils supportent avec résignation. Cela l'amènera à se battre contre le clergé local, qu'il accuse de ne rien faire pour améliorer la situation des paysans mais plutôt d'en tirer parti pour conserver son influence dans les campagnes.

« Je donnerai des conseils, des conseils républicains, à la commune. N'importe qui, mieux que moi, établirait un budget ou réparerait un chemin. Mon rôle sera d'expliquer et de faire aimer la République. Je dirai, aux plus attardés, que la République ne vole ni ne brûle personne ».

Il fera agrandir les bâtiments de l'école, construire un préau et instaurera la gratuité des fournitures scolaires.

Il donne une conférence au banquet de l'Amicale des instituteurs de la Nièvre, sur Poil de Carotte.

L'invité ou Huit jours à la campagne est joué au Théâtre de la Renaissance, avec un succès mitigé. Ravel met en musique quelques unes des Histoires naturelles, ce qui le laisse parfaitement indifférent : c'est Marinette et Baïe qui sont chargées d'assister à la première.

Pressé par des besoins d'argent, il donne des critiques dramatiques à Messidor. Son élection à l'Académie Goncourt lui permettra de s'en affranchir.

Réélection à Chitry en 1908.

Parution de Nos frères farouches, Ragotte.

Il termine Le cousin de Rose, pièce tirée d'une des nouvelles de Ragotte, et qui ne sera pas jouée.

La Gloriette est mise en vente et Jules Renard envisage de s'installer dans la maison de Chitry.

Première de La Bigote en 1909. La pièce choque par son anticléricalisme.

Sa mère meurt en tombant dans le puits de son jardin.

Jules Renard quitte le Mercure de France à la suite de la publication d'un article de Rachilde sur Ragotte.

Noro Rakotobe-D’Alberto

Le premier plan du Citizen Kane d’Orson Welles s’ouvre sur un préambule en forme de signe paradoxal (à la fois menace et curiosité de l’interdit) : « No Trepassing » (défense d’entrer) qui va enserrer toute la problématique de l’œuvre : où se trouve la vérité dans l’espace de la vie et du palace de Kane ?
Nathalie Heinich, dans son livre L’Élite artiste, à la manière de Welles, met en garde les visiteurs égarés en sanctuarisant d’emblée le terrain de la sociologie et précisant ce qu’elle n’est pas : « [...] Ce livre a trait à l’art (peinture et sculpture, littérature, musique), mais on n’y trouvera rien sur la création artistique et les œuvres : seul nous intéressera le statut des créateurs. Il s’agit d’une question sociologique à part entière qui n’a pas à être subordonnée, ni même articulée, à des problématiques esthétiques » (p. 11). Et elle définit ce que le livre sera : « Par "statut" des créateurs, il faut entendre non seulement leur situation réelle, mais aussi leur rôle imaginaire et leur place symbolique » (p. 11). Nathalie Heinich élabore son approche sociologique « à partir de » l’art. La sociologie de l’art qu’elle avance est à prendre donc dans son sens ablatif et non pas dans son sens génitif (l’art comme objet de la sociologie). Elle clarifie cette pensée : « [...] ce ne sont pas les théories du statut d’artiste ou de la création qui retiendront principalement notre attention, dans la tradition de l’histoire des idées, mais l’expérience ordinaire et les valeurs de sens commun. C’est pourquoi seront mis avant tout à contribution les fictions (romans, nouvelles, pièces de théâtre) et les témoignages d’époque (Mémoires, journaux, correspondances, pamphlets), complétés par les données scientifiques existantes (statistiques, études morphologiques, histoire des institutions). » (p. 12)

Le parcours qu’elle se fixe nous amène à suivre les fluctuations du statut de l’artiste de la période démocratique post-révolutionnaire à « presque-nos-jours ». Le « presque » est volontairement employé car la problématique actuelle du statut de l’artiste et de son devenir symbolisée par la lutte pour la préservation du régime de l’intermittence est absente du livre. Mais la sociologue nous répondrait sûrement que le périmètre d’investigation qu’elle s’est fixé n’invite pas le politique et qu’elle s’est attachée à suivre l’artiste dans ce que son statut lui confère encore de singularité élitaire, non dans sa diversité sociale. Nathalie Heinich concentre son étude sur la multiplicité des figures de l’artiste qui se construisent dès le XIXe siècle dans les œuvres littéraires, en s’attachant tout particulièrement à la formation de l’identité bohème. La force et l’attrait du livre résident dans son approche méthodologique. Nathalie Heinich « expose » sous la plume de Balzac, Flaubert, Zola, Musset et bien d’autres les différentes représentations du peintre : l’homme de la page, l’écrivain représentant, « croquant », « portraiturant » l’homme de la toile, le peintre. Welles usera du même procédé mais inversé : génie de l’image, dans son devenir-artiste de légende, il décrit la fulgurante ascension d’un Kane démiurge, virtuose des mots et de l’écrit, entrepreneur éclairé de son temps (l’entrepreneur, voilà encore une figure atypique de l’artiste qui fera carrière et qu’évoque l’auteure à travers ce qu’elle appelle le processus d’« artification » traduisant la revendication d’autres créateurs à être considérés comme des « artistes »). C’est essentiellement à travers ces figures littéraires du peintre (abondantes, précises et variées) que l’auteure construit sa pensée. Elle fait naître de cette riche matière citationnelle le portrait d’un artiste qui n’est plus un artisan ou un professionnel mais avant tout un être d’exception placé sous le régime de la singularité, le régime vocationnel.

Dans une première partie : « Singularité : la vocation de l’excentricité » et dans l’introduction qui précède, l’auteure réserve une place prépondérante à Balzac, à travers Le Chef-d’œuvre inconnu ; l’œuvre apparaissant comme révélatrice des mutations décrites par la sociologue. De fait, Balzac ignore, dans son œuvre, les apprentissages (modèle artisanal), l’enseignement (modèle professionnel), pour privilégier une transmission propre au régime vocationnel. La sociologue décrypte avec justesse l’enthousiasme, la compulsion et le délire dépeints par Balzac et associés à l’imagerie de la vocation : « Forme atténuée de possession mystique, cet enthousiasme, typiquement romantique, fait du travail artistique une affaire purement individuelle (c’est l’art en personne), fulgurante (c’est la convulsion du génie, opposée à la lente maturation de la technique), élective (seuls y ont droit ceux qui sont nés doués), et quasi pathologique, singularisée jusqu’à la folie. » (p. 17)
L’auteure nous décrit aussi avec force détails comment possession, pulsion, incorporation et spiritualisation des qualités, passion, religion, mysticisme viendront s’agréger à la figure de l’artiste. Le talent n’est plus acquis mais inné : il est vocation et don. Nathalie Heinich résume bien le changement charnière qu’elle déclinera tout au long du livre : « Marginalité de la bohème, mystère de l’initiation, enthousiasme d’un geste créateur plutôt que reproducteur, magie transcendant la technique, don inné, maître faisant fonction de médium plus que de professeur, souffle divin passé dans le corps de l’artiste [...] : ainsi s’explicite sous la plume de Balzac, pour la première fois dans l’histoire de la littérature, le paradigme de l’artiste romantique » (p. 19-20). À travers l’œuvre de Balzac, le paradigme vocationnel prend le dessus, et l’idée de l’art pour l’art s’affirme, une autonomisation du champ artistique se produit qui s’écarte de la mission qui consistait à rendre compte du réel. Nathalie Heinich focalise son attention sur la figure bohème, visitant l’excentricité du dandy, les cercles enchantés des jeunes créateurs et la misère des artistes qui vivent mal de leur art. Van Gogh viendra incarner la bohème désespérée du génie méconnu et condamné au malheur. Il livre de cette expérience une remarque saisissante : « Ils sont plus à plaindre qu’un cheval de fiacre ou qu’une fille de joie, ceux-là qu’on appelle : les vieux rapins. » Chamfleury présente les choses avec plus de légèreté dans ses Souvenirs et portraits de jeunesse : « obligé tout jeune de gagner sa vie, lancé dans la Bohème, Fauchery en avait étudié le code dont quelques articles sont à signaler.1° Un loyer ne doit jamais être payé. 2° Tout déménagement s’effectue par la fenêtre. 3° Tailleurs, bottiers, chapeliers, restaurateurs appartiennent tous à la famille de Monsieur Crédit. » Dans ces portraits, il est toutefois difficile de trancher entre mythe et réalité de la condition bohème, « Aussi n’est-ce pas au sociologue de décider de la bonne réponse, en se substituant aux acteurs dans le rôle du pourvoyeur de vérité sur les valeurs : son rôle consiste à déployer l’éventail des indicateurs permettant de déterminer en quoi la vie de bohème fut en partie une réalité et en partie une représentation idéalisée ; puis à comprendre les raisons qui poussent les acteurs à adopter plutôt telle représentation du phénomène ou telle autre » (p. 38). L'auteure revient à nouveau sur la démarche méthodologique à travers une définition de la réalité : « Les trois dimensions de la réalité – le réel des situations vécues, l’imaginaire tel que le véhiculent les mises en forme fictionnelles, le symbolique des significations plus ou moins conscientes – ne peuvent se réduire les unes aux autres, car elles possèdent leur nécessité et leur cohérence propre » (p. 39). Dans le régime de singularité qui s’installe dès le XIXe siècle, les valeurs changent : le don remplace l’apprentissage ou l’enseignement, l’inspiration le labeur soigné et régulier, l’innovation l’imitation des canons et le génie le talent et le travail. Voilà qui est illustré par Musset en 1852 dans Histoire d’un merle blanc : « C’est quelque chose, me dis-je, que d’être un merle blanc : cela ne se trouve point dans le pas d’un âne. J’étais bien bon de m’affliger de ne pas rencontrer mon semblable : c’est le sort du génie, c’est le mien ! Je voulais fuir le monde, je veux l’étonner ! » (p. 42). Dans cette période post-révolutionnaire, Nathalie Heinich montre aussi les contradictions attachées à la condition d’artiste : garder une singularité faite parfois de privilèges et s’inscrire dans une période qui a aboli ces mêmes privilèges. Nathalie Heinich évoque aussi une des conséquences de l’attirance croissante vers les métiers artistiques : la paupérisation. Elle montre également la fin du système étatico-académique au profit d’un système marchand-critique. L’homme de lettres se transforme : « dès les Lumières, et culminant avec le romantisme, se produit une "mutation anthropologique de la condition littéraire", où celui qui n’est plus seulement philosophe ou poète mais "écrivain" fait de la littérature un "magistère moderne", un "sacerdoce laïc" ; ce passage d’une définition "traditionnelle" à une définition "charismatique" de l’activité littéraire, dans le langage de Max Weber, fait de l’"homme de génie" une nouvelle incarnation du prophète, un "être providentiel d’une essence supérieure", à la fois "élu et maudit", que symbolisera le Zarathoustra de Nietzsche » (p. 76). Dans cette première partie, l’auteure montre bien l’évolution progressive vers un art qui s’autonomise. Les frères Schlegel, hérauts du romantisme allemand, résument cette pensée : « Est artiste celui qui a son centre en soi-même. » L’auteure précise aussi comment, au XIXe siècle, le littérateur, le romancier discrédite la singularité picturale : le peintre est toujours un raté. Elle souligne aussi que la figure de l’artiste maudit est absente de la fiction du XIXe siècle car elle s’incarne dans des êtres réels : Van Gogh transforme l’incapacité en génie, la méconnaissance en reconnaissance, incarne à lui seul l’archétype de l’artiste maudit.

Dans une deuxième partie « Faire groupe : comment être plusieurs quand on est singuliers », l’auteure confronte la singularité de l’artiste à l’effet de génération, aux fraternités, à l’avant-garde et à l’émergence d’une identité collective des créateurs. Elle se demande s’il est justifié de parler d’une génération romantique et apporte un éclairage sociologique à la notion de génération : « Or la notion de génération implique non seulement l’écart temporel, mais aussi le partage d’une expérience commune inscrite dans des événements historiques » (p. 134). Et à travers Balzac, l’auteure pointe bien le désir d’une unité chez certains artistes. Pour ce faire, elle cite l’ouvrage de Pierre Barbéris, Le Monde de Balzac, Arthaud, 1973, p. 441 : « L’un des moyens d’échapper à l’isolement social et de retrouver une fraternité, c’est la bande, fût-elle en lutte ouverte avec la société. Balzac a été hanté par le mythe de la bande, la bande unie par un pacte et tournée vers l’affirmation de soi, vers l’action, la bande qui retrouve la morale et refait, en mineur, la société. » (p. 156)

Dans une troisième partie : « Excellence : une nouvelle élite », l’auteure va montrer comment, au XIXe siècle, le poète va remplacer l’aristocrate déchu au sommet de la hiérarchie. Les artistes deviennent les héritiers de l’aristocratie de l’Ancien Régime. À travers Stello d’Alfred de Vigny (un texte où il est question de religion, d’aristocratie et d’art), on sent bien le glissement des valeurs de l’Ancien Régime vers des valeurs post-révolutionnaires. La vocation remplace la naissance. Le poète incarne une valeur démocratique ; il tire sa valeur de ses capacités personnelles et non d’une position héritée de naissance. L’auteure confirme cette mutation avec citation à l’appui : « pour ces nouveaux élus de la vocation, la promesse de vie éternelle n’est plus suspendue à une eschatologie religieuse mais à la postérité que confère la renommée ("la postérité a remplacé les ancêtres", note Joseph Joubert en 1797 dans ses carnets) ». L’artiste-écrivain est aussi sacralisé ; il devient, avec le romantisme, un interprète et un guide, il est au centre du monde de l’esprit. Le poète n’est plus en position de « renonçant », « d’être hors du monde » mais il est aussi « être dans le monde », même si c’est à la marge, sur les sentiers de la vie de bohème. Et si l’aristocratie symbolisait le passé, l’artiste est signe de postérité. Le glissement de valeurs est bien décrit par l’auteure : « C’est pourquoi vont de pair la marginalisation volontaire des jeunes héritiers et l’idéalisation des valeurs artistiques par déplacement des valeurs aristocratiques, transformant le privilège de naissance en don inné, le nom en signature et renom, l’élite du pouvoir en élite de la création et cercle initiatique de la bohème, ou encore l’interdiction du travail roturier en dévalorisation des gains pécuniaires au profit d’une rémunération immatérielle – la gloire » (p. 213-214). Le monde de l’art, à partir du romantisme, va osciller entre populisme et aristocratisme ; ces deux valeurs se retrouvant dans un solide mépris de la bourgeoisie.
Dans cette partie, l’auteure décrit avec précision le prestige progressif associé au statut de créateur. Elle cite Jules Janin : « C’est un beau mot, artiste ! C’est comme si l’on disait intelligent. » Elle apporte toutefois quelques réserves, en précisant par exemple que l’aristocratie de province reste réfractaire, gardant ses distances avec les artistes, comme le prouve cette anecdote : « La méfiance reste de mise, au risque de froisser les susceptibilités : ainsi Erik Satie se voit-il prié, au cours d’une soirée où l’on jouait ses œuvres, de quitter le buffet des invités pour celui des musiciens. » (p. 224)
L’auteure décrit les figures de l’aristocrate-artiste et du dandy et s’efforce de donner une définition propre au terme d’élite. Face à la vision moniste (une vision restrictive, concentrée sur une catégorie dominante, issue du milieu politique, administratif ou des affaires) et la vision pluraliste (où l’élite perd son caractère substantiel en devenant une « saillance » à l’intérieur des différentes catégories sociales, engendrant une pluralité d’élites), l’auteure privilégie une troisième voie, inspirée de Norbert Elias : « La solution réside dans l’application à la notion d’élite d’un concept emprunté à Norbert Elias ; celui de configuration. Il désigne un espace de pertinence des relations d’interdépendance – ici, l’espace des relations entre individus occupant des positions éminentes [...]. L’accent est donc mis dans cette conception sur la dimension relationnelle, le fait que des gens se fréquentent effectivement [...] » (p. 258)

La quatrième partie, « L’art en régime de singularité », pourrait se résumer en deux citations qui traduisent bien l’avènement de la vie de l’artiste comme sujet principal de l’œuvre d’art : « J’ai mis mon talent dans mon œuvre et mon génie dans ma vie », déclarait Oscar Wilde et l’on citera George Brummell, qui, selon ses mots, « fit de sa vie une œuvre d’art ». Le régime de singularité partage l’artiste idéal-typique en trois pôles : « le pôle du privilège, vécu au XIXe siècle dans la mondanité et le dandysme ; le pôle de la démocratie, fantasmé sinon réalisé dans l’engagement politique de l’avant-garde ; et le pôle de l’excentricité, incarné dans la bohème. » (p. 279) Pour l’artiste excentrique, elle déploie trois figures : 1. le saint, grandi par ses sacrifices, c’est Van Gogh ; 2. le génie, caractérisé par sa vitalité créatrice, sexuelle et génésique, c’est Picasso ; 3. le héros, qui se singularise par ses gestes légendaires, c’est Marcel Duchamp. Elle complète la galerie de portraits par Dalí, le bouffon ; Warhol, le dandy ; Beuys, le prophète. Tous ces artistes ont construit un « modèle » singulier qui échappe aux modèles : c’est le propre de la singularité. Après avoir montré tous les paradoxes à maintenir un statut d’artiste engagé (le seul ayant réussi dans cet exercice de style périlleux étant Picasso, Nathalie Heinich dresse un portrait en « mode mineur » de l’artiste privilégié ; cette partie, peu convaincante, s’attacherait à montrer l’aspiration de différentes catégories de créateurs à obtenir le statut d’artiste et d’auteur et ferait état de l’impunité dont pourraient bénéficier les artistes dans le domaine administratif, économique et juridique en se plaçant au-dessus des lois.
Nathalie Heinich finit son ouvrage par cette question toute simple qui sous-tend toute la réflexion du livre : « Comment fonder l’inégalité en justice ? » ; voilà posée la question de l’élitisme démocratique. La sociologue ne tranchera pas. Les promenades littéraires à travers les différentes figures du peintre qu’elle nous offre forment une matière suffisamment riche pour se faire une idée. Il est à noter qu’une partie des thèmes abordés dans le livre étaient présents dans le Citizen Kane de Welles : la singularité de l’artiste, la destinée, le don, l’artification du journalisme, la critique toute-puissante, la marchandisation de l’art…, sans que l’on puisse toutefois percer les secrets du génie de Kane. Pour appréhender l’œuvre de Nathalie Heinich, il faut reconstituer son puzzle éclaté du statut de l’artiste pour espérer voir apparaître le bouton de rose de la vérité. Patience !