Redécouvrir Jean-Michel Atlan. Retrouver l'œuvre de cet artiste né il y a cent ans à Constantine (Algérie) et mort en 1960 à Paris, qui «a été un peu mis de côté», regrette Étienne-Irénée Brun, l'un des deux experts, avec Roberto Perazzone, de la vente qui va lui être consacrée le 27 mai à Drouot. Sous le marteau de Vincent de Muizon, de l'étude Rieunier & Associés, vingt-deux huiles, estimées 1,5 à 2 millions d'euros, seront dispersées. Toutes proviennent de la collection de sa sœur, Camille Atlan, décédée en octobre. «L'ensemble couvre les années 1954-1958, période durant laquelle Atlan a atteint sa maturité», affirme le commissaire-priseur.

Ce sont des labyrinthes de couleurs vives, de rouges, de bleus, de verts, de jaunes ceints d'épais contours noirs évoquant des vitraux. «Atlan avait une manière très particulière de travailler, souligne l'expert de la vente. Il prenait des toiles de jute, un peu grossières, avec lesquelles il jouait. Il utilisait un peu d'huile, mais surtout beaucoup de pigments, le fusain, et le graphique. Puis il habillait la toile, mais pas complètement, laissant une réserve. Ce sont des œuvres qui doivent être brutes, sans vernies.»

Un peintre abstrait ou figuratif? L'expert voit dans ses origines pieds-noirs la source de son inspiration dans l'art africain, l'ésotérisme, la kabbale. «Ce qui l'intéressait, c'était les formes», souligne Étienne-Irénée Brun. Lui-même n'entra pas dans le débat avec ses contemporains, Poliakoff, Vieira da Silva, Soulages, refusant l'étiquette d'une école ou d'un style. «Les formes qui nous

Composition (1954), estimée entre 30 et 40 000 €. Crédits photo : Drouot

paraissent les plus valables tant par leur organisation plastique que par leur intensité expressive ne sont à proprement parler ni abstraites, ni figuratives», disait-il, assumant son isolement. «C'est mon destin d'abandonner les routes trop publiques, car quand les sauterelles arrivent il vaut mieux planter sa tente ailleurs. Et la mode en peinture fait bien plus de ravages que les sauterelles» écrivait Atlan dans Lettre aux amis japonais en 1959.

Ce qui n'empêcha pas la reconnaissance de son vivant, avec notamment une rétrospective à la galerie Charpentier en 1955 et une exposition à la galerie Bing en 1956. Depuis la vente, en 1993, de ­­18 œuvres à Drouot pour une valeur moyenne de 70 000 euros pièce, ce peintre philosophe très franco-français est resté en marge du marché. Ses toiles ont du mal à trouver preneur en salle des ventes. Mais l'artiste est soutenu en galerie, notamment par la parisienne Applicat-Prazan qui le représente. Lors de la prochaine vacation, le lot phare est Calypso III, 1958 (estimé 200 000 à 300 000 euros), qui faisait partie de la rétrospective du Musée d'art moderne de la ville de Paris en 1963. Le commissaire-priseur indique que Sotheby's présentera Calypso II lors de sa vente impressionniste et moderne du 6 juin à Paris, «une étude de notre tableau» s'enorgueillit-il.

Vente le 27 mai à 15 h à Drouot-Richelieu .» Le catalogue de la vente sur Le Figaro Enchères

Longtemps la collection Planque a été sur le point de devenir le fleuron du Musée des beaux-arts de Lausanne. Celui-ci tardant à se construire, elle a finalement été déposée pour quinze ans au Musée Granet d'Aix-en-Provence en 2010 et aussitôt exposée à l'été 2011. Elle vient d'être accrochée sur 700 m2 dans la chapelle des Pénitents blancs aménagée pour la circonstance. Elle devrait y rester au moins jusqu'en 2025. Planque aurait été comblé par ce lieu dont la restauration exalte les voûtes croisées d'ogives, et de la proximité de la montagne Sainte-Victoire: il donnait à l'art une dimension mystique et vénérait Cézanne.

La montagne Sainte-Victoire vue des Lauves, de Paul Cézanne. Crédits photo : Luc Chessex/Musée Granet

Dans la chapelle des Pénitents, à travers le hasard des rencontres, l'accrochage rend compte d'une page d'histoire de l'art sous-tendue par une recherche essentielle. Celle de Cézanne qui hantera Planque sa vie durant. Il guette les peintres et les œuvres pour qui le sujet, paysage ou portrait, ne compte plus «mais devient le siège d'une émotion recréée par les formes». Ainsi à leur manière, Manessier, Bazaine, de Stael, Hartung ou Riopelle qu'il amènera chez Beyeler et dans sa propre collection.

 

 

Au rez-de-chaussée, l'exposition s'ouvre par la figuration puis progresse vers le cubisme dont toutes les facettes sont présentées, puis Picasso en apothéose dans le chœur, avec laFemme au chat assise dans un fauteuil, pythie surprenante d'autorité et de mystère. Planque la tenait pour le clou de sa collection. Derrière elle, dans l'abside, se dévoile l'extrême douceur du Buste de femme endormie au crayon de couleur rose, Picasso a saisi Jacqueline endormie dans l'atelier. Elle y suivait l'artiste au travail, jour et nuit. La fatigue l'a surprise.

Portrait d'une Tahitienne, Paul Gauguin, vers 1891 Crédits photo : Luc Chessex/Musée Granet

Chemin faisant, le regard se ménage des diagonales: l'une court du fusain d'une Tahitienne par Gauguin à une huile montrant un torse de femme de profil par Pierre Bonnard. Mais il faut aussi se faire raconter la manière dont les toiles sont entrées dans la collection pour comprendre la force de Planque. Les deux Monet ont été offerts par son fils Michel. C'est Planque qui lui révèle la valeur des œuvres des Monet tardifs, celles de «l'homme malade à la vue déformée et qui aurait peut-être bien voulu qu'elles fussent détruites lors de la guerre quand un obus éclata dans l'atelier de Giverny». Il y a aussi un Van Gogh reconnu sous la crasse dans les WC d'un parfumeur de province, un Vallotton offert par Beyeler en reconnaissance, une Tour Eiffel de Delaunay offerte par Sonia en remerciement de ses efforts lors de la préparation de l'exposition consacrée à son mari chez Beyeler, un Bonnard qu'il refuse de céder parce que le nez du modèle lui semble suspect… L'œil toujours.

Deux mezzanines suivent, superposées sans couper l'élan de la chapelle, mais permettant au contraire au visiteur de l'éprouver davantage tant les voûtes portent la lumière et l'âme de cet édifice XVIIe. La première souligne le parcours de Planque dans l'abstraction. Klee, Tapiès, de Stael, Sam Francis, Vieira da Silva. La seconde expose la fascination et la longue amitié de Planque pour Dubuffet.

« Dubuffet a bien vu que je ne savais rien. Il m'a enseigné. Il m'a donné des clés pour savoir analyser une œuvre »

JEAN PLANQUE

«Dubuffet a bien vu que je ne savais rien. Il m'a enseigné. Il m'a donné des clés pour savoir analyser une œuvre», dit Planque. Lui si réfléchi, posé, méticuleux, reste ébahi devant la fébrilité de Dubuffet. Il défend son œuvre auprès des marchands, des conservateurs et des collectionneurs étrangers et se rend dans l'atelier de la rue Vaugirard. Il y contemple les tableaux de son œil-laser et vérifie que «cela tient». Dubuffet ouvre à Planque ses domaines chéris de l'art brut. À côté de Louis Soutter ou d'Aloïs, Planque collectionne les œuvres joyeuses de Kosta Alex. Ainsi, The Girl from Southern Francedont, comme par prédestination, la bouche embrasse… la ville d'Aix-en-Provence.

Avant de travailler pour le marchand Ernst Beyeler de 1954 à 1972, Jean Planque s'était établi dans un mas à Puyloubier, près d'Aix, afin de prendre sur les lieux la leçon de Cézanne. Diverses toiles s'en suivront dont une qu'il conservera jusqu'à la fin de sa vie accrochée dans la pénombre de sa cuisine. Certains visiteurs la prenaient pour un Matisse et Planque souriait. Il avait accepté que sa relation à la peinture se joue ailleurs qu'au pinceau. Il avait un œil. «Le tableau s'impose à moi avec brutalité et je pressens. Je pressens le mystère, ce qui ne peut être dit ni à l'aide de la musique, ni à celle des mots. Immédiate préhension. Chose émotionnelle. Possession de tout mon être. Je suis en eux et eux en moi. Tableaux !», note-t-il dans ses cahiers.

Cet œil si sûr lui ouvre la porte de la galerie Beyeler, mais aussi l'intimité de nombreux artistes dont Picasso et Dubuffet. Sur les trois cents œuvres de sa collection, la moitié sont des chefs-d'œuvre. Non pas que Planque ait eu des moyens de magnat. Mais, protestant, économe, il a une parole si scrupuleusement honnête qu'il met dans le mille. Les œuvres qui lui plaisent, Planque trouve souvent un moyen de les obtenir, des marchands ou des clients en remerciement de transactions, ou bien des artistes eux-mêmes qui lui font des facilités.

«Je m'étonne toujours parce que j'ai tendance à refuser vos œuvres nouvelles», dit-il à Picasso ravi de découvrir en lui un visiteur d'une autre espèce que ceux «qui ne voient que dessus et non dedans le tableau».

Il en faut du souffle pour embrasser en une exposition toute cette épopée de la lumière et de la couleur qui sort l'art du cadre au XXe siècle pour incorporer l'espace même dans l'œuvre. Il en faut du savoir et de l'esprit de synthèse pour bousculer catégories et époques et proposer une relecture vivante de l'histoire de l'art en mouvement. Tout, vous saurez tout, du Carré blanc sur fond blanc de Kazimir Malevitch et du Broadway Boogie-Woogie de Piet Mondrian jusqu'au halo mystique de l'Américain James Turrell(Awakening, ou la naissance de l'aube sous vos yeux). Il en faut du doigté et de l'intuition pour faire cohabiter toutes ces lueurs, tous ces cercles, toute cette géométrie qui s'en balance, tous ces va-et-vient de formes et d'intensités lumineuses, sans que le visiteur ne soit mis KO au premier round.

Chromosaturation de Carlos Cruz-Diez (1965) Crédits photo : Sébastien SORIANO/Le Figaro

Docte et clair en professeur émérite qu'il est, Serge Lemoine est un ardent défenseur de l'abstraction et de sa mise en action, le cinétisme. Il l'a prouvé depuis longtemps quand il dirigeait le Musée de Grenoble ou, plus récemment, à Paris, en exposant la collection Jean Cherqui à la Maison de l'Amérique latine (ce continent neuf est le biotope naturel de cette poésie nouvelle des formes).

Pétillant et frondeur, Mathieu Poirier apporte sa vision fraîche de jeune chercheur à cette dynamique de l'art, sérieuse derrière le jeu et l'illusion, parfois désarmante par ses théories fort cérébrales: à vérifier dans le labyrinthe du GRAV (Groupe de recherche d'art visuel). Avec ces deux commissaires si complémentaires, Dynamo réussit ce tour de force de mettre en scène des concepts comme on dresse une table de Noël. D'abord pour le plaisir de l'œil. Les deux autres commissaires associés, Domitille d'Orgeval et Marianne Le Pommeré, apportent leurs touches féminines et érudites à ce vaste ballet cinétique.

Un jeu vidéo géant

Faire que ce soit l'œil qui associe le premier - et non la lecture, et non le discours sur ce que l'on devrait voir et comprendre, comme c'est si souvent désormais le cas - c'est tout le défi du programme de cette promenade phénoménale: plus de 150 artistes sur un siècle, autant de mirages essaimés sur environ 3 700 m2. Il eût été banal de commencer par les précurseurs, Giacomo Bella le futuriste, Calder le trapéziste du mobile, Duchamp l'insolent joueur d'échecs qui inverse tout propos, Kupka le géomètre de la couleur, Moholo-Nagy l'œil moderne… et de finir par le beau mobile sombre de Xavier Veilhan qui sert d'entracte visuel aux deux étages, très denses, de l'exposition.

Il est beaucoup plus parlant de confronter les approches sœurs, de faire dialoguer un sublime Kenneth Noland de 1962 (Spring Cool), un Frank Stella bluffant de simplicité de 1964 (Sidney Guberman) et un Frantisek Kupka qui annonce tout d'une simple gouache abstraite, noire et blanche de 1933.

Mirror Billboard de Jeppe Hein (2008) Crédits photo : Sébastien SORIANO/Le Figaro

Si l'art contemporain est l'art vivant, alors tous ces artistes, morts ou vifs, sont contemporains. Comme de juste, Anish Kapoor ouvre ce ballet intersidéral avec ses trois miroirs sombres concaves. Ann Veronica Janssens pose son étoile de lumière dans le brouillard comme une petite fille (Bluette, 2006). Plus loin, elle perd le visiteur dans son brouillard. Né en 1926 à Cholet et portraituré à 17 ans par Laure Albin-Guillot au Jeu de paume, François Morellet ne fait pas figure d'ancêtre avec son Triple X Neonly de 2012. Né à Caracas en 1923, Carlos Cruz-Diez ne cesse de fasciner avec sa Transchromie mécanique, 1965 qui découpe la couleur au carré et l'espace immatériel au cordeau. À côté, feu Dan Flavin en impose comme l'Amérique avec son mur de fluos verts qui scintille comme un jeu vidéo géant (Untitled, to you, Heiner, with Admiration and Affection, 1973, prêt spectaculaire de la DIA Art foundation de New York).

De Julio Le Parc, sculpteur souple comme un danseur de tango, à Tinguely le Suisse, grand bricoleur de l'art si intensément créatif (les mécanismes aléatoires de son Méta-Malevitch, 1954), de Gianni Colombo le Milanais qui prend possession du mur avec seulement deux cubes opalescents à la Ponctuation lumineuse de Pol Bury, des trompe-l'œil multicolores de Yaacov Agam, si cher à Georges Pompidou, à la magicienne du Brésil, Lygia Clark, c'est toute une grammaire visuelle qui est expliquée sous vos yeux. De Vasarely, jaillissant de la toile en illusionniste, à Zilvinas Kempinas, né en Lituanie en 1969, qui fait tenir son auréole de bande magnétique par le souffle combiné de trois ventilateurs, la gamme est semble-t-il sans fin. On sort de Dynamo halluciné, l'esprit en mouvement.

Transformation Instable Juxtaposition Superposition de Francisco Sobrino Crédits photo : Sébastien SORIANO/Le Figaro

Dynamo, un siècle de lumière et de mouvement dans l'art 1913-2013», Grand Palais, Paris (VIIIe), jusqu'au 22 juillet 2013. www.grandpalais.fr