Recueil de poèmes en hommage aux deux auteurs
J'ai aimé jeudi au Petit Palais:Rubens et Van Dyck
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Catégories : Le Petit Palais(Paris 8e)
J'ai aimé jeudi au Petit Palais:Jordaens
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J'ai aimé jeudi au Louvre:Les origines de l’estampe en Europe du Nord (1400-1470)
du 17 Octobre 2013 au 13 Janvier 2014
Remerciements :
Exposition organisée par le musée du Louvre en partenariat avec la Bibliothèque nationale de France
L’apparition de l’estampe en Occident constitue un phénomène majeur de l’histoire et de l’histoire de l’art. À partir de 1400, artistes et graveurs expérimentèrent diverses techniques permettant par l’impression d’une matrice gravée et encrée sur un support de créer et de diffuser des images multipliables à l’identique. Si les estampes circulèrent très vite partout en Europe, les régions germaniques en furent le foyer principal, bien avant que cette invention ne fût transposée dans le domaine de l’impression des textes par Gutenberg vers 1450.
L’exposition traite de l’apparition de ce phénomène en l’étudiant sur une période de soixante-dix ans, jusqu’au début de la carrière de Martin Schongauer, graveur rhénan qui changea fondamentalement le statut de l’estampe au sein des arts. En réunissant pour la première fois deux fonds majeurs en France et en Europe – la collection de la réserve du département des Estampes et de la Photographie de la Bibliothèque nationale de France et la collection Edmond de Rothschild du département des Arts Graphiques au musée du Louvre –, elle met en lumière les différentes étapes de l’évolution de l’estampe, ses acteurs et ses modalités de production, ses rapports avec les autres arts et ses usages.
À travers un choix d’oeuvres, l’exposition montre la diversité des thèmes illustrés. Support et instrument de la dévotion du temps, la gravure a aussi servi des sujets plus audacieux, comme celui du désir charnel ou des scènes de genre dont la teneur nous apparaît aujourd’hui encore bien familière.
Commissaire(s) :
Séverine Lepape, Bibliothèque nationale de France
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J'ai aimé jeudi au Louvre:Jean Cousin père et fils
Une famille de peintres au XVIe siècle
du 17 Octobre 2013 au 13 Janvier 2014
Le XVe siècle français a été le siècle de Jean Fouquet et d’Enguerrand Quarton, le XVIIe, celui de Georges de La Tour et de Nicolas Poussin. Le XVIe siècle a eu Jean Cousin.
Son nom, glorifié dans les histoires anciennes, inscrit au fronton des écoles des beaux-arts et à l’attique des musées, n’a jamais été oublié. Il demeure le symbole du renouveau du vitrail et de la tapisserie au XVIe siècle. Un magistral Livre de perspective et un manuel pour apprendre à dessiner, Le Livre de pourtraicture, en ont assuré le renom. Mais, pour la plupart d’entre nous, Cousin n’est plus aujourd’hui que le peintre d’un seul tableau, Eva Prima Pandora. Récemment restaurée, cette Ève profane, premier grand nu féminin de la peinture française, odalisque sacrée et cavernicole, fixe l’image primordiale de la femme dans toute sa séduction.
Ce tableau est présenté ici au centre de la création de cet artiste polyvalent et fécond à côté de dessins magistraux, de sculptures, d’estampes, de livres à gravures, d’une tapisserie, d’une broderie et d’une pièce d’armure, qui confirment les mérites insignes de Cousin dans toutes les techniques. Un choix d’oeuvres de son fils et héritier complète l’image de ce grand inventeur d’un style qui, classique avant la lettre, s’est nourri tout autant du passé cultivé par la Renaissance que des sophistications du maniérisme.
Commissaire(s) :
Dominique Cordellier, musée du Louvre, département des Arts graphiques et Cécile Scailliérez, musée du Louvre, département des Peintures.
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J'ai aimé jeudi au Louvre:Monique Frydman
Polyptyque Sassetta
Art contemporain
du 26 Septembre 2013 au 6 Janvier 2014Remerciements :
Avec le soutien de
JC Decaux.En écho à l’exposition « Le printemps de la Renaissance. La sculpture et les arts à Florence, 1400-1460 », l’artiste contemporain Monique Frydman présente une oeuvre monumentale dans le salon Carré.
Cette nouvelle production s’inspire de l’une des plus importantes commandes du Quattrocento, le Polyptyque de Borgo Sansepolcro (1437-1444) du peintre siennois Stefano di Giovanni, dit Sassetta (1400-1450). En 1437, il avait été invité par les frères du couvent San Francesco de Borgo Sansepolcro à réaliser un immense polyptyque à deux faces, véritable chef-d’oeuvre destiné à prendre place sur le maître-autel. De ce retable démembré dès la fin du XVIe siècle, le musée du Louvre conserve trois panneaux du registre principal de la face antérieure (dont deux montrés actuellement) et deux panneaux de la prédelle postérieure (aile Denon, salle 4).
Monique Frydman, qui dès la fin des années soixante-dix conduit une recherche picturale strictement abstraite, reprend la structure de ce polyptyque double face, en s’attachant à retranscrire la poétique, la volupté de ses tonalités. « La trouée du temps est là, dit Monique Frydman s’exprimant sur le polyptyque. Ce qui est perdu, démembré, relance le temps et dans cet effacement ne subsiste que le manque dont notre mémoire et notre regard restituent la présence. » L’artiste poursuit au travers de cette nouvelle réalisation un travail sur la spatialité picturale et sur la présence, initié dans sa récente série des Witness.
Commissaire(s) :
Pauline Guélaud
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J'ai aimé jeudi au Louvre:Le printemps de la Renaissance
La sculpture et les arts à Florence, 1400-1460
du 26 Septembre 2013 au 6 Janvier 2014
« Le printemps de la Renaissance » retrace la genèse de cet immense mouvement artistique et culturel qui naît dans la Florence républicaine du début du XVe siècle.
Au début de la Renaissance, une nouvelle vision de l’homme dans son rapport à l’univers et à l’histoire se met en place à Florence. L’exposition présente les oeuvres conçues à partir des innovations majeures, souvent liées à l’antiquité classique, qui transformèrent la conception de l’art en Occident. L’invention de grandes figures inscrites dans un contexte humaniste autant que chrétien, les débuts de l’utilisation de la perspective mathématique par les artistes, le développement de nouveaux sujets comme les petits esprits (spiritelli), ou de nouveaux types de sculptures, comme le monument équestre ou le portrait en buste, sont quelques-uns des thèmes qui incarnent cette nouvelle conception du monde.
Les sculptures de Donatello forment l’un des fils directeurs du parcours à travers quelques-uns des grands chefs-d’oeuvre de celui qui apparaît comme l’artiste le plus créatif du siècle. Elles n’éclipsent cependant pas le travail magistral d’autres sculpteurs illustres comme Ghiberti, Luca della Robbia, Michelozzo, Desiderio da Settignano ou Mino da Fiesole. Les panneaux de Brunelleschi et de Ghiberti pour le concours de la seconde porte du Baptistère de Florence (1401), le Saint Matthieu de Ghiberti ou le Saint Louis de Toulouse de Donatello, les terres cuites émaillées de Luca della Robbia ou la série de bustes florentins comptent au nombre des oeuvres majeures où se manifeste l’extraordinaire éclosion créative de la Florence du Quattrocento.
Commissaire(s) :
Marc Bormand, conservateur en chef au département des Sculptures du musée du Louvre et Beatrice Paolozzi Strozzi, directrice du musée national du Bargello.
Exposition organisée par le musée du Louvre et la Fondation Palazzo Strozzi à Florence, avec le concours exceptionnel du musée national du Bargello.
Présentée à Florence du 23 mars au 18 août 2013.
Cette exposition bénéficie du mécénat principal de eni et du mécénat associé de Deloitte. -
J'ai aimé mercredi au Musée d'Orsay:Dessins de Camille Pissarro
Accrochage salle 69
A partir des années 1880, Pissarro, qui s’était jusqu’alors surtout consacré au paysage, se tourne vers la représentation du monde rural, dont il est issu.
Dans ces dessins, réalisés à Pontoise, Érigny où l’artiste s’installe entre 1884 et 1903, Éragny, Dieppe et Gisors, Pissarro représente des scènes de la vie quotidiennes des paysans : scènes de marché ou images du travail des champs.
La figure de la paysanne, à laquelle il confère une certaine monumentalité, dénuée de misérabilisme ou de symbolique biblique, est au coeur de ces études aux couleurs vives et au trait expressif et synthétique.
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J'ai aimé mercredi au Musée d'Orsay:Masculin/ Masculin : Académies
Accrochage salle 68
Le dessin d’après un modèle vivant, appelé "académie" quand il s’agit du dessin d’une figure entière, a longtemps été la base de l’apprentissage de l’artiste. Cet exercice lui permet d'acquérir une bonne connaissance plastique et anatomique du corps humain et de pouvoir ensuite réaliser des compositions à plusieurs personnages qui reprennent les positions étudiées d'après le modèle.Pierre Puvis de ChavannesDeux faucheurs assis sur le sol© RMN-Grand Palais (musée d'Orsay) / Michèle Bellot
Avant de peindre une figure et de la vêtir, l'artiste qui souhaite travailler suivant les règles de l'art dessine d'abord son personnage nu afin, dans un premier temps, de se concentrer sur l’essentiel : la ligne, le rythme, la proportion.
Le musée d'Orsay conserve plusieurs centaines de dessins de Jules Elie Delaunay (1828-1891) et de Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898), parmi lesquels de nombreuses études de nus masculins, à la base de leur travail de peintres de grands cycles décoratifs pour les bâtiments publics.Jules-Elie DelaunayHomme nu, debout© RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay)
Sont présentés ici des dessins ayant servi pour les figures peintes du Panthéon et de l'Hôtel de Ville, ainsi que celles de l'Opéra de Paris pour Delaunay et du musée de Picardie pour Puvis, qui témoignent de deux approches du nu masculin.
A travers un répertoire d'attitudes relativement restreintes, car souvent inspirées de l'Antique, les artistes "académiques" (Carolus Duran, Delaunay) et "modernes" (Degas, Puvis, Seurat) se rejoignent dans la recherche de la justesse du geste.
Ils ne ménagent ni les repentirs ni les reprises, avant de réaliser de grandes études qui sont aussi de belles feuilles en soi, où l'on ne sait plus si c'est le noir profond du crayon (Seurat) et les tons chauds de la sanguine (Puvis) qui sont au service de la beauté de la musculature ou du contrapposto d'un corps, ou si c’est l'inverse qui se produit, le nu masculin permettant d'exalter toutes les possibilités plastiques du dessin.
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J'ai aimé mercredi au Musée d'Orsay:Cabinets d'architecture
La gare d'Orsay : l'invention d'un monument historique.
Dessins, peinture et objets documentaires de la collection du musée d'Orsay
La gare d'Orsay et son hôtel ont été construits à l'occasion de l'Exposition universelle de 1900 pour la Compagnie d'Orléans.
Inadaptée à l'évolution du transport ferroviaire, la gare est en grande partie désaffectée dès la fin des années 1930. On songe alors à transformer le bâtiment, au lourd décor éclectique bien éloigné du goût de l'époque, en un palais des fêtes et des sports. En 1955, la Caisse des dépôts demande à son architecte, René Coulon, associé à son ami Guillaume Gillet, de le remplacer par des bureaux. Après divers concours et changements de programme, c'est un projet d'hôtel qui leur est confié.
Cependant, après l'accord de l'autorisation de démolir en décembre 1970, ce permis de construire est refusé. Témoignage du renouveau d'intérêt pour l'architecture éclectique, l'Etat inscrit la gare au titre des Monuments historiques en 1973 et en prononce le classement cinq ans plus tard.
En 1977, la décision de transformer le bâtiment en un musée dédié à la période 1848-1914 en fait le symbole d'une nouvelle façon de percevoir le XIXe siècle.
Avec le prêt exceptionnel du Centre d'archives de la Cité de l'architecture et du patrimoinehttp://www.musee-orsay.fr/fr/collections/cabinets-darchitecture.html
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J'ai aimé mercredi au musée d'Orsay:Un musée dans une gare
L'histoire du musée, de son bâtiment, est peu banale. Situé au coeur de Paris, le long de la Seine, face au jardin des Tuileries, le musée a pris place dans l'ancienne gare d'Orsay, un édifice construit pour l'exposition universelle de 1900. Ainsi le bâtiment est, en quelque sorte, la première "oeuvre" des collections du musée d'Orsay qui présente l'art des quelques décennies qui s'écoulent entre 1848 et 1914.
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Catégories : Le Musée d'Orsay(Paris 7e)
Mercredi, j'ai aimé au Musée d'Orsay:Allegro Barbaro. Béla Bartók et la modernité hongroise 1905-1920
Dans la lignée des manifestations que le musée d'Orsay a consacrées aux grands noms de la musique moderne - Mahler, Debussy -, cette exposition est l'occasion de faire découvrir au public français l'univers de Bartók (1881-1945), à une époque particulièrement riche de l'histoire culturelle et artistique hongroise.János Mattis-TeutschPaysage© DR - Museum of Fine Arts – Hungarian National Gallery, Budapest 2013
Musique et peinture hongroises, au début du XXe siècle, s'associent dans un même esprit de rupture et de renouveau. Pionnières au sein de l'avant-garde européenne, elles inventent en quelques années un langage autonome et original, une modernité teintée de tradition nationale.
En une centaine de tableaux issus des collections publiques hongroises comme de collections privées, accompagnés de nombreux documents relatifs au jeune Bartók et aux musiciens, compositeurs, écrivains, poètes, philosophes et psychanalystes de son entourage (partitions, photographies, films, enregistrements sonores ...), l'exposition cherche à faire revivre ce dialogue fécond entre la musique et les arts dans la Hongrie du début du XXe siècle.
Cette exposition bénéficie du haut patronage de Monsieur François Hollande Président de la République française et de János Áder, Président de la République de Hongrie.Commissariat
Claire Bernardi, conservateur au musée d'Orsay
Gergely Barki, historien de l’art au Centre de recherches en sciences humaine - Académie des Sciences de Hongrie - INSTITUT D'HISTOIRE DE L'ART, Budapest
Zoltan Rockenbauer, historien de l'art indépendantExposition organisée avec la participation exceptionnelle du Szépművészeti Múzeum de Budapest.Publication
Catalogue d'expositionAllegro barbaro. Béla Bartók et la modernité hongroise
Musée d'Orsay / Hazan
40€ -
Nous avons aimé mercredi soir:DES PIEDS ET DES MAINS
par ordre alphabétique)
Erwan CREIGNOU, Karine DUBERNET, Marie-Hélène LENTINI, Yannik MAZZILLI, Clément MICHEL, Ariane MOURIER et Gilles VAJOURésuméBien qu’ils veuillent garder le secret, il est temps que cela se sache : cette farce culinaire et policière a été écrite par les jumeaux naturels qu’Agatha Christie a eu de sa liaison avec Benny Hill et avec les Monthy Python.
Diana a quitté Denis son mari en ne lui laissant que son dîner dans le micro onde, mais aussi une bonne dizaine de membres humains dans le congélateur…
Qui est le coupable ? L’un des amants de la belle : l’éleveur d’autruche débutant venu l’enlever avec son meilleur reproducteur sous le bras ? le flic du village, facho au q.i. négatif ? le pasteur de la paroisse,érotomane et pornographe compulsif ? Ou bien la mère de l’infidèle,charcutière émérite, grande spécialiste de la tourte cochonne dans tout le Royaume Uni ? Ou encore la ravissante motarde, apprentie cuisinière, mais vraie « quiche » nymphomane ?
Si vous voulez connaître le plat préféré d’Elisabeth II et savoir ce qu’est devenue la nièce du Docteur Gœbbels, venez voir ce thriller, policier certes, mais aussi et surtout déjanté, barré, loufoque, hilarant, absurde, dingue, délirant, bref un cocktail détonnant de burlesque mélangé à de l’humour british, le toutsecoué très, très violemment.
HorairesDu mardi au vendredi 20h30, le samedi 18h00 et 21h00 et le dimanche à 15h00Tarifs1ère catégorie : 41,50€
2ème catégorie : 33,50€
3ème catégorie: 17,50€
TARIF à moins 50% du 1er octobre au 13 octobre inclus : 21,50€, 17,5€ et 9,5€
A partir du 15 octobre: Jeunes -26ans 10 € (selon disponibilités sur les mardis, mercredis et jeudis en réservant impérativement à l’avance au 01.48.74.74.40) -
J'ai aimé mercredi aux Gobelins:Carte blanche à Eva Jospin
En parallèle de l'exposition Gobelins par Nature : Eloge de la Verdure, la Carte blanche à Eva Jospin propose un contrepoint : il ne s'agit plus d'une oeuvre décorative, mais d'une sculpture dont le matériau fragile est assimilable à de l'éphémère. La grande taille de l’œuvre (près de 7 mètres de long sur 3,50 mètres de haut), éclairée avec précision, met le spectateur, dans la Salon carré de la Galerie des Gobelins, en présence d'une forêt artificielle plus réelle que nature.
En utilisant un matériau commun, sans noblesse, elle retourne à l’art premier du sculpteur, celui de suggérer les formes par la constitution d’un haut-relief où les lignes de l'objet se détachent du support mais n'en sont pas séparées. On ne tourne pas autour, on y est spectateur, tenu à distance. On ne rentre pas dans la forêt, tant elle est dense, mais on reste captivé, prisonnier de l’intrication des formes.
Par l'usage d'un art « primitif », celui du haut-relief des tombes antiques, Eva Jospin exprime le sentiment le plus simple, celui de la peur ou du rêve, de l'espérance et de l'évasion. La simplicité du dispositif, mais avec une construction longue et minutieuse, ouvre les chemins de l'égarement.
Eva Jospin
Eva Jospin est sortie de l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux Art de Paris en 2002. Depuis lors, elle a exposé à de nombreuses reprises à Paris (notamment à la Fondation EDF, à la Galerie Pièce Unique et au Musée de la Chasse et de la Nature), en France (l'Isle-Adam, Château de Ratilly, Yerres) et à l'étranger (Rome, Naples, Venise, Milan, Bologne, Dubaï). Elle a également participé aux Nuits blanches de Paris en octobre 2012.
Son travaille a été salué par la critique (Art press, Le Journal des Arts, Le Monde).Direction artistique de la Carte blanche : Marc Bayard (Conseiller pour le développement culturel et scientifique au Mobilier national).
Assisté de Marie-Odile Klipfel (régie) et de Valérie Ducos.
Eclairage : Christian Broggini
http://www.mobiliernational.culture.gouv.fr/fr/expositions/actualites/35/carte-blanche-a-eva-jospin
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Catégories : CEUX QUE J'AIME, Kandinsky Vassily
Vassily Kandinsky
"La pure composition artistique consiste dans la disposition des formes diverses qui, tout en maintenant différentes relations entre elles,soutiennent l'ensemble de l'oeuvre."
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J'ai ramené de l'Institut nérerlandais de Paris et lu hier:Rijksmuseum.Windmill at Wijk bij Duurstede
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Catégories : Brueghel La Dynastie, CEUX QUE J'AIME, Voyage
J'ai lu pendant mon voyage vers Paris:La Dynastie des Brueghel à la Pinacothèque de Paris
De Pieter Brueghel l'ancien à Jan Brueghel le Jeune, l'exposition de la Pinacothèque nous plonge dans la peinture flamande des XVIe et XVIIe siècle. Fêtes populaires, œuvres florales, scènes religieuses ou peintures de paysages, ce hors-série donne un vaste aperçu de la production picturale de la « dynastie Brueghel » et de ses héritiers. -
J'ai lu et vu mercredi au musée du Luxembourg:La Renaissance et le rêve, Bosch, Véronèse, Greco…
16 octobre 2013
Le thème du rêve a un rôle majeur dans la culture occidentale. Dès le xve siècle, il devient une véritable source d’inspiration pour des artistes (Raphaël, Michel-Ange, Vinci, etc.) comme la révélation et la manifestation d’un autre monde. S’il a un sens religieux, il se manifeste aussi en un sens.
Le hors-série propose de revenir sur la façon dont il inspire les arts plastiques, la littérature, la philosophie ou la médecine.
Exposition au musée du Luxembourg à Paris
du 9 octobre 2013 au 26 janvier 2014http://www.beauxartsmagazine.com/0125-733-La-Renaissance-et-le-reve.html
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J'ai aimé mercredi à Paris:Le secret des verdures
Quelle belle exposition! Montrer ensemble ces tapisseries anciennes à motifs végétaux, des «verdures», et des tapisseries des XXe et XXIe siècles qui reprennent à foison des fleurs, des fruits, des feuilles et des branches, seuls les Gobelins, en piochant dans les richesses de leur fonds, en étaient capables. L'accrochage n'est pas chronologique, les Saisons de Jean Lurçat alternent avec les Saisons de Charles Le Brun, les Mille Fleurs sauvages de Dom Robert, tissées à Aubusson en 1961, renvoient aux «mille-fleurs» de la fin du Moyen Âge, tout cela est très frais, très estival, tant mieux. Mais au bout d'une heure de visite merveilleuse, perdu au milieu de ce jardin de laine, de soie et de dentelle, le visiteur s'interroge. Quelle histoire veut-on lui raconter, au-delà du plaisir des yeux?
Précédentes publications:
16/06/2013 21:13
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J'ai aimé aux Gobelins mercredi:L'éloge de la Verdure, le grand art au petit point
Velvet Jungle n°1 d'après Jacques Monory/Tapisserie des Gobelins, 2012. Crédits photo : Mobilier national / Isabelle Bideau
À la Manufacture des Gobelins, une célébration de la nature à travers les tapisseries du Moyen Âge jusqu'à Monet, Alechinsky et Monory.
